A principios de abril, en una conferencia de prensa híbrida, presencial y virtual organizada con motivo del estreno de la nueva serie dramática de Hulu The Testaments, el ambiente osciló entre la emoción juvenil, la reflexión política y el peso simbólico de continuar uno de los universos televisivos más inquietantes de los últimos años: el de The Handmaid’s Tale.

En el encuentro participó de manera virtual La Crónica, junto a periodistas de distintos países, para conversar con parte del elenco principal: Chase Infiniti (Agnes), Lucy Halliday (Daisy), Mattea Conforti (Becka), Rowan Blanchard (Shunammite) y la veterana actriz Ann Dowd, quien retoma su emblemático papel de Aunt Lydia. También estuvieron presentes Bruce Miller, creador y showrunner, y el productor ejecutivo Warren Littlefield.

Desde los primeros minutos quedó claro que The Testaments no pretende ser únicamente una continuación narrativa del universo creado por Margaret Atwood, sino también un espejo incómodo de la realidad contemporánea. La conversación derivó rápidamente hacia temas como los derechos humanos, el miedo político, las nuevas generaciones y la esperanza.

La actriz Chase Infiniti, una de las revelaciones de la serie, habló sobre el vértigo de haber llegado a este proyecto justo después de participar en One Battle After Another. «Recuerdo que recibí el correo para audicionar pocos meses después de terminar aquella película y pensé: ‘Tengo que hacer esto inmediatamente’», relató. «La historia me pareció increíble desde el primer guion que leí».

Infiniti confesó que el último año de su vida ha sido «literalmente una locura», aunque añadió sentirse profundamente agradecida por formar parte de una producción con semejante carga emocional y cultural.

Pero el verdadero corazón de la conferencia apareció cuando los actores comenzaron a hablar sobre la influencia que The Handmaid’s Tale tuvo en sus vidas antes incluso de integrarse a esta nueva historia.

Lucy Halliday recordó que creció admirando la obra de Margaret Atwood y que cuando supo que The Testaments sería adaptada para televisión sintió que estaba frente a «lo mejor que podía pasarle». Para la actriz, entrar en este universo implicó una enorme responsabilidad.

«Ninguno de nosotros quería convertirse en la pieza que rompiera una maquinaria ya amada por el público», explicó. «Leímos los libros, vimos la serie, hablamos con Elisabeth Moss, con Bruce Miller, con los directores… absorbimos todo lo que pudimos».

La conexión entre ficción y realidad atravesó buena parte del encuentro. Una periodista alemana planteó una reflexión particularmente potente: mientras generaciones anteriores crecieron creyendo que el futuro sería mejor para sus hijos, hoy muchos jóvenes viven con la sensación contraria, enfrentando incertidumbre política, económica y ambiental.

La pregunta generó uno de los momentos más sinceros de la conferencia.

Ann Dowd, siempre contundente, respondió sin rodeos: «Gracias a Dios los jóvenes son fuertes. El mundo en que vivimos no es particularmente feliz, por decirlo suavemente». Luego lanzó una frase que provocó silencios incómodos y asentimientos entre algunos participantes: «Si hubiera una manera de deshacernos del presidente de Estados Unidos en este momento, sería maravilloso».

Más allá de la declaración política, el eje de sus palabras fue la necesidad de resistencia. «Va a hacer falta fuerza, protesta y conciencia de parte de todos para que algo cambie», afirmó.

Chase Infiniti retomó esa idea desde una mirada más optimista. Para ella, la nueva generación posee una resiliencia inspiradora, aunque insistió en que las generaciones mayores también tienen una responsabilidad.

«Tenemos que apoyarlos, protegerlos, especialmente a las chicas jóvenes», dijo. «El mundo es oscuro y da miedo, sí, pero creo que esta nueva generación tiene la capacidad de traer esperanza».

La frase resumió el espíritu general de la conversación: The Testaments se presenta como una historia sombría, pero profundamente atravesada por la idea de resistencia juvenil.

Lucy Halliday añadió que una de las fortalezas de la serie es mostrar que la experiencia de crecer (particularmente siendo adolescente y mujer) trasciende cualquier contexto político.

«Ya sea que vivas en un régimen como Gilead o no, muchas emociones y experiencias son universales», comentó. «Espero que los jóvenes puedan verse reflejados en estos personajes y encontrar también esperanza».

Mattea Conforti coincidió al señalar que la serie explora cómo las jóvenes cuestionan las estructuras en las que crecieron.

«La historia habla sobre mantenerse curiosa, sobre no aceptar pasivamente el entorno en el que creciste», explicó. «También muestra el enorme poder de la amistad».

Esa dimensión emocional parece ser uno de los pilares de la producción. Lejos de centrarse exclusivamente en la opresión política de Gilead, The Testaments pone el foco en los vínculos entre las jóvenes protagonistas y en la forma en que descubren, poco a poco, las grietas del sistema.

Rowan Blanchard subrayó otro aspecto interesante: la relación entre generaciones. «La serie también muestra la importancia de aprender de quienes son mayores que tú», dijo. «Hay muchas personas que intentaron hacer del mundo un lugar mejor antes que nosotros».

Ann Dowd respondió de inmediato: «Y nosotros necesitamos aprender de ustedes qué significa la esperanza».

Ese intercambio, espontáneo y cálido, reflejó la química que parece existir entre el elenco.

Más adelante, Bruce Miller explicó por qué sintieron la necesidad de continuar esta historia justo ahora. Su respuesta dejó claro que el impulso inicial provino de Margaret Atwood.

«Margaret sintió que aún había más historia por contar», señaló. «Y creo que tiene una capacidad extraordinaria para escribir relatos que siguen siendo relevantes cuando tienes 20, 30 o 60 años».

El productor Warren Littlefield fue aún más directo: «Siempre dijimos que, si dejábamos de ser relevantes, nos retiraríamos felices. Pero claramente ese no es el caso».

La relevancia política de The Handmaid’s Tale y ahora de The Testaments se mantiene intacta en un contexto mundial marcado por tensiones ideológicas, retrocesos en derechos reproductivos y polarización política.

Uno de los momentos más interesantes de la conferencia ocurrió cuando se discutió la psicología de personajes que nacieron dentro de Gilead y nunca conocieron la libertad.

El periodista mexicano Enrique Solórzano preguntó cómo se construye un personaje cuyos límites mentales están tan normalizados que ni siquiera percibe su propia opresión.

Chase Infiniti explicó que gran parte de su trabajo consistió en investigar distintos contextos reales de control social y cultural. «Desafortunadamente, crecer dentro de sistemas restrictivos no es algo completamente ajeno a la realidad», comentó.

Pero fue Rowan Blanchard quien ofreció una de las reflexiones más fascinantes del encuentro.

«El desafío era no pensar constantemente en cómo sería el otro mundo», explicó. «Estas chicas no saben que viven en circunstancias extremas. Para ellas, esa realidad es normal».

Bruce Miller complementó la idea con una observación casi filosófica sobre la actuación dentro del universo de Gilead.

«Les decía: ‘¿Cómo interpretas a una chica mala si nunca viste Mean Girls?’», recordó entre risas. «Ellas no tienen referencias de cultura pop. Todo debe construirse desde cero».

Blanchard contó entonces una anécdota divertida sobre su personaje, Shunammite. «Cuando hice la audición pensé: ‘Ah, ella es la Regina George de Gilead’», dijo. «Y luego me di cuenta: claro, nunca ha visto televisión, no sabe quién es Regina George».

Las risas relajaron momentáneamente el tono intenso de la conversación.

Otro de los focos inevitables fue Aunt Lydia, el personaje interpretado por Ann Dowd y uno de los más complejos del universo creado por Atwood. Consultada sobre si Lydia es una mujer cruel o alguien que intenta proteger a las jóvenes, Dowd ofreció una respuesta llena de matices.

«Todo empieza por la supervivencia», afirmó. «Si quieres sobrevivir, haces exactamente lo que te piden».

Cuando le preguntaron directamente si consideraba a Lydia «una buena persona», la actriz sonrió antes de responder cuidadosamente.

«No sé si usaría la palabra ‘agradable’», dijo. «Pero ama profundamente a esas chicas. Y ese amor es real».

La afirmación dejó flotando una de las grandes ambigüedades morales de la saga: hasta qué punto alguien puede justificar actos brutales bajo la idea de protección o supervivencia.

Hacia el final de la conferencia, el elenco habló sobre la primera vez que leyó los guiones. Lucy Halliday recordó que sintió un deseo inmediato de conseguir el papel «más que cualquier otra cosa en el mundo».

«Margaret Atwood tiene la capacidad de hacer que cualquier momento histórico se sienta relevante hoy», señaló. «Cada página conectaba conmigo de alguna manera».

Mattea Conforti añadió que lo primero que percibió fue la magnitud del desafío político y emocional de la serie.

«Es un proyecto muy distinto a lo que normalmente vemos en televisión», dijo. «Cada personaje tiene su propia lucha, su propia responsabilidad».

Al terminar la conferencia, quedó claro que The Testaments busca algo más que expandir el universo de The Handmaid’s Tale. La nueva serie parece decidida a dialogar directamente con una generación marcada por la ansiedad política, la incertidumbre y la necesidad urgente de encontrar esperanza en medio del caos.

Y quizá por eso las palabras de Chase Infiniti resonaron más allá de la pantalla: «El mundo es un lugar oscuro y aterrador, pero esta nueva generación tiene la capacidad de traer esperanza».

La entrada Chase Infiniti: «La nueva generación tiene la capacidad de traer esperanza al mundo» se publicó primero en LaCronica.do.

En un encuentro que combinó la cercanía de una conversación íntima con la expectativa de un gran estreno, La Crónica participó en una rueda de prensa —presencial y virtual— con la actriz estadounidense Kate Hudson, quien regresa como protagonista y productora ejecutiva de la serie Running Point. La segunda temporada, que se estrenó en Netflix el pasado 23 de abril, amplía el universo de Isla Gordon, un personaje que navega entre el poder, la familia y las tensiones del mundo deportivo profesional.

Hudson apareció relajada, sonriente, instalada en la ciudad y con la energía de quien disfruta el momento previo al lanzamiento de un proyecto que la entusiasma. «Estoy muy emocionada de que la serie salga», comentó al inicio de la conversación que se llevó a cabo previo al estreno de la producción, en la que dejó ver no solo su compromiso con el personaje, sino también una mirada crítica sobre los desafíos que enfrentan las mujeres en posiciones de liderazgo.

Uno de los puntos de partida de esta nueva temporada es un giro que sacude a su personaje: el regreso de su hermano Cam, quien ocupa nuevamente un lugar de poder dentro del equipo. «Iba a decir ‘mi asiento’, porque ahora él está sentado en mi asiento», dijo entre risas, subrayando el conflicto que atraviesa Isla al ver cuestionado el espacio que tanto le costó conquistar.

Para Hudson, esta segunda entrega marca un hito personal. Acostumbrada a proyectos cinematográficos o de una sola temporada, esta es la primera vez que tiene la oportunidad de desarrollar un personaje a lo largo del tiempo. «Es muy bonito, porque puedes ir más lejos sin tener que construir desde cero. Simplemente arrancas», explicó. Esa continuidad le permite explorar nuevas capas emocionales, especialmente en la dinámica familiar, donde la protagonista enfrenta constantemente la tensión entre cómo la ven los demás y cómo se percibe a sí misma.

La actriz confesó que, antes de retomar el rodaje, volvió a ver la primera temporada. Lo hizo no solo para reconectar con el personaje, sino también para entender el ritmo de la serie. «Me di cuenta de lo rápido que se mueve. Eso es maravilloso para la comedia, porque todo fluye, se siente ligero», señaló. Ese dinamismo también se refleja en el set, donde las jornadas son intensas y el rodaje avanza a gran velocidad.

Hudson describe el proceso como exigente: «A veces grabamos entre 10 y 11 páginas al día. Esperas hacerlo todo bien». Sin embargo, asegura que el equipo creativo —encabezado por Mindy Kaling, Ike Barinholtz y David Stassen— genera un ambiente de confianza que facilita el trabajo. «Todo el mundo está muy enfocado, y eso hace que el ritmo del rodaje coincida con el ritmo de la serie», apuntó.

Uno de los aspectos que más destaca en esta nueva temporada es la relación entre Isla y Ali, interpretada por Brenda Song. La amistad entre ambas atraviesa momentos de tensión, pero se sostiene en un vínculo profundo. «La serie trata sobre el amor, sin importar lo disfuncionales que sean las relaciones», afirmó Hudson. Para ella, explorar qué significa trabajar con tu mejor amiga, y al mismo tiempo defender tu propio valor, es uno de los ejes más interesantes de la historia.

La actriz también reflexionó sobre la importancia de mostrar este tipo de relaciones en pantalla, aunque evitó abordarlo desde un discurso excesivamente teórico. Prefiere verlo como parte de la evolución del personaje. «Isla es alguien que nunca tuvo muchas amigas y ahora, en sus cuarenta, está aprendiendo lo que significa ser una buena amiga», explicó. Esa búsqueda, dice, conecta con la esencia de la serie, en la que participan personajes privilegiados que, sin embargo, enfrentan retos emocionales básicos.

En paralelo, el entorno deportivo aporta una energía particular. La serie se desarrolla en el mundo del baloncesto profesional, donde la competencia es directa y ganar es el objetivo claro. «En el deporte solo hay un lugar: la cima», afirmó Hudson. Esa lógica, según explica, eleva las apuestas y añade presión a cada decisión.

Es en ese entorno donde surge una de las reflexiones más contundentes de la actriz. Al ser consultada sobre lo que implica mantenerse en la cima, Hudson no dudó en señalar las desigualdades de género. «Para las mujeres es la parte más difícil. Requiere ambición, enfoque… y, honestamente, duplicar el esfuerzo», sostuvo. La actriz habló de un «sexismo sistémico» que muchas veces opera de forma invisible, incluso entre las propias mujeres.

A su juicio, el margen de error también es distinto. «Las mujeres tienen una o dos oportunidades para mantenerse arriba. Si cometen un error, el impacto es mayor», explicó. Esta presión constante, sumada a las expectativas externas, configura un escenario complejo que la serie aborda desde la comedia, pero sin perder de vista su trasfondo.

Hudson también compartió su teoría sobre la equidad: considera que la igualdad real llegará cuando exista una paridad en la riqueza generacional femenina. «Todo se mueve con dinero. No queremos que sea así, pero es la realidad», afirmó. Para ella, el acceso de más mujeres a posiciones de poder económico será clave para transformar las estructuras.

Más allá de los temas de fondo, la actriz resaltó el carácter familiar del proyecto, tanto dentro como fuera de la pantalla. «Lo mejor es la gente», dijo al referirse a la experiencia de trabajar en una serie. A diferencia del cine, donde los equipos se disuelven al terminar el rodaje, aquí se construye una comunidad que se reencuentra temporada tras temporada.

Ese ambiente, asegura, fue cuidadosamente diseñado por el equipo creativo. «Mindy eligió personas que saben reírse de sí mismas», comentó. La presencia de actores con formación en comedia improvisada aporta frescura y agilidad a las escenas, generando un entorno donde la creatividad fluye constantemente.

Hudson también reivindicó la inteligencia detrás de la comedia, un género que a menudo se subestima. «Los comediantes son de las personas más inteligentes que conozco», afirmó. Para ella, la capacidad de reaccionar en el momento y construir humor espontáneo es una habilidad compleja que requiere agudeza mental.

En cuanto a su proceso actoral, confesó que se define como una intérprete muy física. Esto se traduce en su gusto por la comedia física, uno de los elementos distintivos de su personaje. «Es como una coreografía, como bailar», explicó. Aunque reconoce el riesgo —«solo espero no lastimarme»—, disfruta plenamente de ese tipo de escenas.

La conversación también dejó espacio para momentos más ligeros, como cuando relató una de las anécdotas más caóticas del rodaje, una puerta de vidrio que terminó hecha añicos tras una improvisación de un compañero de elenco. Entre risas, recordó la reacción del equipo y el inesperado desenlace de la escena, que obligó a detener la grabación.

Al hablar de lo que hace única a Running Point, Hudson destacó su carácter inclasificable. «Cuando empezamos, no sabíamos para qué público era», admitió. Sin embargo, esa falta de etiquetas terminó convirtiéndose en una fortaleza: la serie conecta con audiencias diversas, desde adolescentes hasta adultos mayores.

La actriz volvió al punto de partida, que no puede ser otro al amor que siente por su oficio. «Me encanta este proceso porque es completamente colaborativo», dijo. Para ella, cada miembro del equipo es esencial, y esa interdependencia es lo que da sentido al trabajo.

Con la segunda temporada lista para estrenarse, Hudson confía en que el público volverá a conectar con la historia. Y, si la respuesta es positiva, espera poder continuar el viaje. «Ojalá podamos hacer una tercera temporada», expresó.

Mientras tanto, Running Point regresa con una propuesta que combina humor, crítica social y emociones, consolidándose como una de las apuestas más versátiles de la plataforma. Una serie que, como su protagonista, no teme moverse entre distintos mundos para encontrar su lugar.

La entrada Kate Hudson: «Las mujeres tienen que duplicar el esfuerzo para mantenerse en la cima» se publicó primero en LaCronica.do.

Paramount+ anunció este martes que su exitosa serie The Madison ha sido renovada para una tercera temporada, tras un estreno histórico que ha marcado un nuevo récord para la plataforma. La serie, creada por Taylor Sheridan, debutó el 14 de marzo con un episodio inicial que alcanzó ocho millones de visualizaciones a nivel global durante sus primeros diez días.

Este logro, de acuerdo a un comunicado enviado a La Crónica, convierte a The Madison en el estreno más visto de la carrera de Sheridan y en la primera temporada original con mayor cantidad de visualizaciones entre los estrenos de streaming durante su primera semana (del 13 al 19 de marzo), según datos de Luminate. Además, la serie se posicionará en el Top 5 de Nielsen Streaming Top 10, con casi mil millones de minutos vistos en su primera semana completa (del 16 al 22 de marzo).

La producción de la segunda temporada ya está completa, aunque la fecha de estreno se anunciará próximamente. The Madison, protagonizada por la nominada al Oscar® Michelle Pfeiffer y el nominado al Globo de Oro® Kurt Russell, desarrolla su historia entre los paisajes de Montana y la vibrante energía de Manhattan, explorando los lazos que unen a las familias.

La serie ha recibido elogios tanto de la prensa como del público. Parade la calificó como “profundamente emotiva, conmovedora y poderosa”, mientras que Variety destacó que “Michelle Pfeiffer ofrece una actuación imponente”.

El elenco incluye también a Beau Garrett (Firefly Lane), Elle Chapman (A Man Called Otto), Patrick J. Adams (Suits), Amiah Miller (War for the Planet of the Apes), Alaina Pollack (The Surrender), Ben Schnetzer (3 Body Problem), Kevin Zegers (Power), Rebecca Spence (Lady in the Lake), Danielle Vasinova (1923), Matthew Fox (Lost) y Will Arnett (Is This Thing On?).

The Madison es producida por Paramount Television Studios, 101 Studios y Bosque Ranch Productions, con Taylor Sheridan, David C. Glasser, John Linson, Art Linson, Ron Burkle, David Hutkin, Bob Yari, Christina Alexandra Voros, Michael Friedman, Michelle Pfeiffer, Kurt Russell y Keith Cox como productores ejecutivos. Voros dirigió los seis episodios de la primera temporada.

La entrada Paramount+ renueva «The Madison» para una tercera temporada tras récord de audiencia se publicó primero en LaCronica.do.

Como parte de las actividades del Mes de la Patria, la serie dominicana “Trinitarios”, de Radio Televisión Dominicana (RTVD), se proyecta en múltiples escenarios del país y Estados Unidos, entre ellos escuelas, centros culturales y el Parque Independencia.

Este miércoles 18, a las 6:30 de la tarde, los capítulos de la serie serán exhibidos, con entrada libre para todo público, en el Parque Independencia de Santo Domingo, donde se encuentra el Altar de la Patria y reposan los Padres de la Patria, Juan Pablo Duarte, Francisco del Rosario Sánchez y Matías Ramón Mella.

Las proyecciones continuarán el viernes 20 en Dajabón: en el Centro Cultural Ensueño Dajabonero; el sábado 21 de febrero alcaldía municipal de Duvergé, y el domingo 22 de febrero en la alcaldía municipal de Jimaní, en la provincia Independencia, en horario de las 10:00 de la mañana.

«Trinitarios» recién se presentó en el Festival de Cine Global de Santo Domingo 2026 en una función en Caribbean Cinemas, en el centro comercial Galería 360, encabezada por el director artístico de la serie, Luis Cepeda, y contó con la presencia de decenas de personas.

“Aquí se priorizó lo que era el contenido, aquí no hay inventos, la fuente primaria que los guionistas utilizaron para hacer estos textos, fueron los libros de texto de José Gabriel García, que como ustedes saben es nuestro historiador nacional, conoció a Duarte, amigo de Duarte y la otra parte fue con los apuntes de Rosa Duarte, la hermana del mismo Duarte, que estaba anotando lo que su hermano hacía”, comentó Luis Cepeda ante el auditorio.

“Trinitarios”, que tiene a Iván Ruiz como productor ejecutivo, logró muy buenas críticas por su realización y carácter histórico haciendo aflorar aún más ese sentimiento patriótico de los asistentes.

«Yo soy loca con la historia dominicana y yo lo había visto por la TV, pero yo dije: -no, yo voy para allá, quiero verlo en pantalla gigante», manifestó una de las asistentes a Galería 360.

Otro testimonio: «Me impresionó y me puso a llorar, me inspira la dominicanidad, la invasión no fue solo de aquel entonces, es ahora también».

«Realmente es excelente el contenido, conocí cosas que no sabía, está detallado completamente, hay que verla para aprender de nuestra historia», fue otro de los comentarios.

Uno de los ciudadanos que asistió a Caribbean Cinemas felicitó “a los iniciadores de esta actividad, porque han avivado en nuestro corazón el patriotismo».

“Los Trinitarios”, realizada con la técnica Motion Capture utilizada por la película “Avatar”, es una propuesta audiovisual de alto valor educativo que resalta elementos históricos y culturales de la identidad dominicana.

La serie animada está basada en los acontecimientos históricos de la ocupación haitiana y que detonaron la noche del 27 de febrero de 1844, un evento crucial en la historia de la soberanía e Independencia Dominicana.

La entrada Serie «Trinitarios» de RTVD inicia recorrido nacional por el Mes de la Patria se publicó primero en LaCronica.do.

Veinticinco años después de su estreno original, Scrubs vuelve a abrir las puertas del hospital Sacred Heart con una mezcla cuidadosamente calibrada de nostalgia, madurez y actualidad. En una rueda de prensa internacional, presencial y virtual, que contó con la participación de medios de todo el mundo, incluidos representantes de La Crónica, Zach Braff, Donald Faison y Sarah Chalke compartieron no solo anécdotas y risas, sino también una reflexión profunda sobre el paso del tiempo, la medicina moderna y el poder de la imaginación.

El primer episodio del revival, visto de manera anticipada por la prensa, deja claro que Scrubs no pretende vivir únicamente de la memoria colectiva. Sí, están ahí las fantasías de JD, el humor absurdo, la química intacta entre JD y Turk, y la neurosis entrañable de Elliot. Pero también hay algo nuevo: una conciencia clara de que el mundo —y ellos— han cambiado.

Para Zach Braff, regresar a JD fue algo tan natural como significativo. «Quería que siguiera siendo divertido y ridículo, pero también que se notara que ahora es un gran maestro», explicó. En esta nueva etapa, JD no solo vuelve a Sacred Heart; vuelve para enseñar, para devolver lo aprendido, para ocupar el lugar que una vez tuvieron figuras como el implacable Dr. Cox.

Ese concepto, el relevo generacional, atraviesa toda la nueva temporada. Los protagonistas ya no son los internos inseguros, sino los «viejos» del hospital. Y lejos de rechazarlo, la serie lo abraza con inteligencia y humor. Donald Faison lo resume con una frase tan simple como efectiva: «Ser viejo también significa ser experimentado».

Sarah Chalke coincide y añade que el verdadero reto fue traer a los personajes al presente sin traicionar su esencia. «¿Cómo seguir siendo fieles a quienes eran, pero anclarlos en 2026?», se preguntó. La respuesta está en los detalles: en los diálogos, en el ritmo, en los conflictos actuales y en un hospital que luce idéntico, pero funciona bajo nuevas reglas.

La medicina ya no es la misma
Uno de los aspectos más interesantes del revival es cómo aborda los cambios en el mundo médico. Zach Braff reveló que, durante el proceso de escritura, descubrieron que muchas de las dinámicas que definieron a Scrubsya no serían aceptables hoy.

«El trato de Dr. Cox hacia los internos ya no sería permitido», explicó. Hoy existen programas de bienestar, regulaciones estrictas sobre horarios, descanso y lenguaje. De ahí nace un nuevo conflicto narrativo: ¿cómo se adapta un mentor de ‘amor duro’ a una era de recursos humanos y protocolos emocionales?

La introducción de un personaje vinculado al área de bienestar laboral no es casual. Es una declaración de intenciones: Scrubs sigue siendo divertida, pero ahora también dialoga con temas como la salud mental, el agotamiento profesional y los límites en el lugar de trabajo.

Uno de los momentos más celebrados de la conferencia fue cuando se abordó el choque generacional. Los actores bromearon sobre pedir ayuda a los jóvenes para usar el teléfono, leer letras pequeñas o entender el nuevo argot. «Zach escribió una escena con todas las expresiones que los jóvenes nos han enseñado», contó Chalke entre risas. Faison, fiel a su estilo, admitió que sigue usando jerga de principios de los 2000, aunque ahora lo miren «como si estuviera loco».

La serie no huye de la edad: la convierte en material narrativo. Scrubs entiende que crecer no significa perder la capacidad de reír, soñar o equivocarse.

En una de las preguntas más profundas del encuentro, un periodista italiano planteó si la imaginación sigue siendo relevante en un mundo dominado por las redes sociales. La respuesta fue unánime.

«Absolutamente», dijo Donald Faison. «La imaginación es donde viven los sueños, donde empieza todo éxito». Zach Braff conectó esa idea con el legado de Bill Lawrence, creador de Scrubs, y el impacto emocional de series como Ted Lasso durante la pandemia. «Todos necesitábamos un abrazo», afirmó.

Ese es, quizás, el corazón del regreso de Scrubs: ser una serie cálida en un momento frío, humana en una era hiperconectada, optimista sin ser ingenua.

Cuando la serie terminó, pocos imaginaron este regreso. Pero hoy, JD, Turk y Elliot reflejan a una audiencia que también ha cambiado. Zach Braff habló de un JD en crisis de mediana edad, desconectado, que encuentra nuevamente sentido al volver a donde todo empezó. Donald Faison siempre vio a Turk como un hombre de familia, y Sarah Chalke celebró que Elliot sea ahora madre y profesora.

Uno de los giros más comentados es que JD y Elliot estén divorciados. «No hay tanta comedia cuando todo está bien», explicó Chalke. El conflicto, la incomodidad y la reinvención hacen que la historia sea más rica y honesta.

El revival de Scrubs no es un ejercicio de nostalgia vacía. Es una conversación entre el pasado y el presente, entre quienes fueron y quienes son ahora. La química permanece intacta, pero el contexto es otro. Y ahí radica su fortaleza.

En tiempos de cinismo, polarización y sobreestimulación digital, Scrubs vuelve para recordarnos que la empatía importa, que la risa cura y que nunca es tarde para volver a soñar.

El hospital Sacred Heart reabre sus puertas el 25 de febrero, y con él, una de las series más queridas de la televisión regresa no solo para entretener, sino para acompañar.

La entrada Scrubs regresa: nostalgia, madurez y esperanza en tiempos de cambio se publicó primero en LaCronica.do.

La tercera temporada de «La diplomática» toma cuerpo y mejora su perfil político con una buena dosis de drama, interpretaciones en su punto y un guion cada vez más sólido. En esta ocasión, la embajadora Kate Wyler (Keri Russell, también productora ejecutiva) «experimenta una particular pesadilla: conseguir lo que quiere. Acaba de acusar a la vicepresidenta Grace Penn (Allison Janney) de orquestar un complot terrorista y de admitir que quería su puesto».

Todo ha ido a más desde la primera hasta la tercera entrega, para buenaventura de Netflix, plataforma que ha puesto mucho en esta producción. Un dato que aporta intensidad este año: ahora el presidente ha muerto —tal vez por culpa de Hal (Rufus Sewell), el esposo de Kate—, y Grace Penn es la nueva líder. Nada de esto detiene la campaña de Hal para llevar a su esposa a la vicepresidencia. 

Kate asume un rol que nunca quiso, con una libertad que jamás esperó, una amistad cada vez más compleja con el secretario de AA. EE. Austin Dennison (David Gyasi) y un vínculo inquietante con el primer caballero Todd Penn (Bradley Whitford).

La serie nominada al Emmy —de la creadora, showrunner y productora ejecutiva Debora Cahn— se estrenó el pasado 16 de octubre y regresa con Janice Williams, Alex Graves y Keri Russell en la producción ejecutiva, y Ali Ahn, Rory Kinnear y Ato Essandoh en el elenco adicional. Y se puede apreciar que en el tiempo ha ido mejorando el proceso de escritura de este drama político que juega bastante bien con el sarcasmo y la ironía sin caer en lo superficial.

Keri Russell, cuando se le preguntó en una conferencia de prensa virtual a principios de este mes en la que participó La Crónica, ¿cuál fue tu reacción al leer el guion del último capítulo de la segunda temporada y qué tan contenta estuvo con el punto de partida de la tercera temporada después de ese final tan impactante? «Dios mío! ¡Qué final tan bueno! Y también me encanta que el final incluya a Hal haciendo algo igual de estúpido y, simplemente, increíblemente estúpido. Siempre está metido en las travesuras, lo cual es parte de la gracia de la serie. Me encanta cómo va la tercera temporada. Retomamos justo donde quedó».

«La diplomática», que está disponible en Netflix, sintetiza el gran interés que genera en la clase política alcanzar el poder, los tejemanejes del trasfondo que mueven los hilos de las instituciones de inteligencia, conjugado con las peripecias que debe sobrellevar una diplomática desplegada en Londres, Inglaterra, para poder defender los intereses de los Estados Unidos.

«El primer episodio en particular me encanta por muchos aspectos», señala Russell en una de sus intervenciones en la conferencia, en referencia al estreno de esta tercera temporada. «Toca todos esos puntos que tanto me encantan de nuestra serie. La explicación de estos procesos incrementales del gobierno; me encanta aprender sobre todo eso. Hay tanto que desconocemos sobre su función. Así que me gusta destacarlo. Y me encanta la humillación y la devastación personal que Kate siente al final de ese episodio. Perder es algo muy divertido como actor. [risas] Y como personaje».

«The Diplomat» siempre ha estado lleno de tensión, ya sea personal, política e incluso cómica. En la tercera temporada, ¿cómo se complementan para mantener viva esa energía vibrante en un matrimonio? Preguntó un representante de México que estuvo en la conferencia.

«¿Y Rufus y yo? Sabes, es una relación muy divertida. Es de lo mejor», comentó la actriz, protagonista de la serie. «Me encanta lo inteligentes que son y lo mezquinos que son entre sí. [risas] Es muy disfrutable. O sea, es lo más divertido que he hecho trabajando. De verdad que sí. Me emociona mucho leer los episodios. Sabes, Rufus es así de bueno. Siempre está ahí cuando trabajas con él. Y sé que incluso si le doy un golpe fuerte, él está ahí para atraparme, y yo haré lo mismo por él. Y eso empieza con una pelea en los arbustos y termina con una escena realmente dramática».

La serie se nutre tanto de una aguda estrategia política como de un humor mordaz. ¿Cómo encontraste la voz de Grace en la escritura de Debora [Cahn]? La actriz Alison Janney, estrella en el reparto estelar de la exitosa serie El ala oeste (The West Wing), responde con palabras de elogio para la guionista.

«Es una escritora brillante y excelente creando personajes. Y Grace, en gran parte, la encontré en el papel, en su serenidad, en su poder. Es una mujer increíblemente capaz y lista para estar donde está dentro de la Casa Blanca, y más que lista para asumir el cargo de presidenta. Pero todo está en el fondo y el hecho de que, ya sabes… Y la relación con Keri, en particular, es fantástica. Descubres su personalidad a la perfección y ella la reprende y le dice: «Es una mujer experimentada, una política experimentada. Y Keri es una criatura salvaje, sin refinar». Esa escena me mostró quién era Grace cuando le dije: «Puede que pienses que no te importa tu aspecto, pero déjame decirte que tienes que hacer esto, esto, esto». Y como una mujer que ha sido subestimada durante toda su carrera, sabe cómo jugar».

La entrada Golpes de Estado y ambición: «La diplomática» sube la apuesta se publicó primero en LaCronica.do.

En una rueda de prensa híbrida que ofrecieron el pasado lunes desde The London West Hollywood, con participación tanto presencial como virtual, el equipo detrás del próximo proyecto televisivo que sigue la estela del exitoso estilo documental de The Office ofreció detalles de su nueva apuesta narrativa.

La conferencia contó con la presencia de Domhnall Gleeson y Sabrina Impacciatore, quienes encabezan el elenco, así como de Greg Daniels y Michael Koman, co-creadores y showrunners de la serie. La Crónica estuvo presente de forma virtual para conocer de primera mano los pormenores de esta producción que busca capturar, con humor e ingenio, las dinámicas de una pequeña redacción periodística en el corazón del medio Oeste estadounidense.

El proyecto surge a partir del hallazgo de un periódico histórico que, en pleno declive, intenta renacer bajo la mirada obstinada de su editor. La narrativa sigue el estilo de falso documental que popularizó The Office, pero esta vez el enfoque se traslada de la mítica sucursal de Dunder Mifflin en Scranton a un escenario igualmente cargado de idiosincrasia y potencial cómico: una redacción local que lucha por mantenerse relevante en una era digital.

Los creadores destacaron que, más allá del humor, la serie también aborda temas como la verdad periodística, la resistencia frente al cambio y el papel de los medios comunitarios en la actualidad. The Paper se estrena el 4 de septiembre con cuatro episodios, a lo que seguirán dos nuevos capítulos cada jueves hasta el día 25. La entrevista que publicamos a continuación es un estracto de la conversción con Domhnall Gleeson.

¿Cómo investigaste y desarrollaste tu personaje? ¿Hablaste con periodistas para familiarizarte con sus rutinas diarias?
Domhnall Gleeson: Sí. Creo que fue más para mi propia mente que para algo que fuera necesariamente muy útil en la serie. Pero fui a Ohio porque no había estado en esa parte del país antes. Fui a Cincinnati, Columbus, Toledo. Charlé con un montón de periodistas de muchos periódicos diferentes, seguí a un par de personas. Y simplemente charlé con ellos sobre cómo era ser periodista y editor hoy en día.

Moderador: Sí.
Domhnall Gleeson: Y es muy interesante la diferencia entre la gente que se ha incorporado recientemente y que ha elegido entrar en una industria que es, digamos, difícil.

Moderador: Sí.
Gleeson: Siempre ha sido difícil, pero es especialmente difícil ahora mismo. Y luego, la gente que lo ha visto pasar de ser un gigante a ser, poco a poco, simplemente…

Moderador: Encogiéndose.
Gleeson: Sí, encogiéndose, encogiéndose, encogiéndose. Así que, al oír la diferencia, todos tenían en común que seguían intentándolo y que aún creían en sus fundamentos, y creo que eso fue muy útil para Ned, esa constante creencia en que es posible. Así que creo que eso fue lo principal que aporté.

Moderador: Sí. Sí. ¿Qué pensabas del periodismo antes de este puesto y qué piensas ahora? Supongo que eso tiene algo que ver con la primera pregunta. Sí, siempre he comprendido la importancia del periodismo. Creo que quizás no siempre he entendido lo que se necesita para hacerlo y hacerlo bien, pero siempre he tenido un gran respeto por todos. También siempre he sido bastante romántico. Y luego es asombroso ver la realidad del día a día, y en cierto modo se vuelve aún más impresionante, una vez que ves a qué se enfrenta la gente, simplemente seguir adelante. Sí, decir la verdad al poder, todo eso es increíblemente importante.

Moderador: El estilo de cámara documental se siente como un personaje en sí mismo. ¿Cambió eso tu forma de actuar?
Gleeson: Sin duda. Es como si todo el mundo conociera los clichés que lo acompañan, y eso, casi… que la serie original en el Reino Unido y Estados Unidos estableció… muchas comedias de situación más hicieron eso de mirar por el objetivo y encontrar el objetivo, esa mirada incómoda y todo eso. Así que eres consciente de eso, pero luego hacer que pareciera real, que funcionara para estos personajes en estos entornos, fue el nuevo reto. Así que definitivamente te hace comportarte de manera diferente porque te están observando. Es algo completamente nuevo: no es solo una persona observándote, es que eres consciente de que te están grabando.

Moderador: Correcto.
Gleeson: Nada es extraoficial. Eso da miedo, y creo que también para los personajes, así que fue útil.

Moderador: ¡Genial! The Paper se adentra en las dificultades de una pequeña redacción. ¿Trabajar en ella te hizo pensar de manera diferente sobre tu propia relación con las noticias? ¿Lees algún periódico local o cómo te informas? ¿Las obtienes de otras fuentes?
Gleeson: Estoy suscrito a tres periódicos y, en cuanto a los periódicos locales de Dublín, vivo muy cerca del centro. La razón por la que los periódicos locales son tan importantes es porque prestan atención a los lugares que no son el centro de las noticias constantemente. Gran parte del periodismo irlandés se centra en Dublín. Y, como saben, hacen un buen trabajo prestando atención a todo el país, pero hay más periódicos locales en las afueras de Dublín o en las afueras del condado de Dublín, a diferencia de la ciudad y los otros condados. Así que, en cuanto a mi zona, en cuanto a los periódicos locales, el periódico nacional es, curiosamente, el periódico local. Dondequiera que vayas, leer el periódico local siempre es súper interesante.

Moderador: Sí. Ya sé, siempre hay historias raras, únicas y aleatorias del barrio.
Domhnall Gleeson: Sí.

Moderador: O todo eso también es muy importante en términos de cómo impacta en asuntos más importantes.
Gleeson: Sí. Y las preocupaciones en ese momento. ¿Qué obsesionaba a este lugar en ese momento? Siempre estaba ahí, al frente y en el centro, lo cual es una gran manera de conocer un lugar.

Moderador: Sí. ¿Cómo lograste equilibrar con Ned ser romántico y un poco peculiar?
Gleeson: ¿Te refieres a cómo vivo mi vida? Creo que su romanticismo con el periodismo es lo principal. Así que, desde el principio, parecía que este era el gran romance de su vida: él en este periódico, porque no lo había hecho desde la universidad, así que estaba obsesionado. No conoce la realidad actual. Es como tu primera novia.

Moderador: Sí.
Gleeson: ¿Sabes a qué me refiero? Es como si… siempre… todo está pintado, todo es color de rosa.

Moderador: Sí. Tan idealizado.
Gleeson: Sí. Pero si salieras con tu primera novia, repito, quizá no saldría tan bien, ¿sabes a qué me refiero? O sea, eh… ¿qué analogía intento crear? Perdón, siento que esto es un desastre.

Moderador: ¡No!
Gleeson: Pero él simplemente tiene una idea de cómo es. Así que el romance alimenta su peculiaridad, porque eso es parte de lo que lo hace diferente a todos aquí.

Moderador: Sí.
Gleeson: Eh, es que sigue siendo romántico y todos allí han vivido la realidad y dicen: «No hay nada romántico en esto». Así que encontrar el equilibrio estuvo en la escritura: un maravilloso equipo de guionistas liderado por Greg y Michael, personas increíbles. Y luego hay que mantenerlo interesante. No puede ser una sola cosa todo el tiempo. Así que completar los espacios en blanco fue parte del desafío. Y creo que a medida que avanza la temporada, se descubren otros aspectos de su personalidad. Y esa es la manera correcta de hacerlo: mantenerlo sorprendente.

Moderador: Sí. Y él… esa idea romántica del periodismo lo mantiene tan inspirador de principio a fin, algo que uno busca a medida que avanza la serie.
Gleeson: Sí. Y busca que lo cuestionen.

Moderador: Sí.
Gleeson: Busca que esté entre la espada y la pared, porque no siempre lo gestiona bien. Creo que se imagina a sí mismo como el líder más increíble, y no siempre es así, y creo que esa combinación de cualidades es parte de lo que me encanta de él.

Moderador: Bueno, es muy interesante, porque la siguiente pregunta es: ¿cómo lograste que Ned siguiera siendo inspirador a la vez que mostrabas que a veces todavía está desorientado?
Gleeson: Sí, de nuevo, te fijas en los guionistas y también les dices: «Mira, no puede ser una cosa u otra todo el tiempo». Y creo que es muy susceptible. Es bastante delicado. O sea, creo que está aquí por una crisis de la mediana edad, en cierto modo.

Moderador: Cierto.
Gleeson: Ha descubierto lo de sus padres, ha descubierto todo lo que no sabía y siente que le han mentido. Y entonces, esto de volver a su primer amor, volver a la pureza de lo que es verdad y lo que no, e intentar ser importante de esa manera, comprometerse con eso. Es como una especie de crisis de la mediana edad.

Moderador: Sí.
Gleeson: Da la casualidad de que parte de su crisis de la mediana edad es que intenta hacer el bien, ¿sabes?

Moderador: Lo cual es… iba a decir…
Gleeson: Que normalmente es comprarse un Porsche, ¿sabes? Normalmente es algo diferente.

Moderador: Nos encanta eso de él.
Gleeson: Sí, exacto… sí, sí, sí. Creo que es una mejor crisis de la mediana edad, sí, sí.

Moderador: Bueno. ¿Estás preparado para un reconocimiento diferente ahora, similar al de Steve Carell y John Krasinski en The Office, en el sentido de que el público de las series de televisión sienta que te conoce de verdad?
Gleeson: O sea, en una de las últimas series en las que participé, secuestré a Steve Carell y lo mantuve encerrado en mi sótano y, eh…

Moderador: Piensas: «Ese es mi verdadero yo».
Gleeson: …amenazando con matar a otras personas. Sí, y eso se acerca mucho más a quien soy realmente. No, y eso fue un gran éxito, y tuvo éxito con los premios Critics’ Choice y… y Hollywood… ya sabes, fue… fue… fue increíble. Los Globos de Oro, recibimos todo este reconocimiento por ello, lo cual fue maravilloso. Pero no cambió las cosas como crees. He estado en un par de películas grandes que realmente han tenido éxito y han sido enormes. No fui yo quien las hizo enormes, pero fui parte de estas cosas que fueron masivas.

Moderador: Sí.
Gleeson: Y nunca se sabe cuáles van a cambiar tu vida. Y si intentas adivinar cuál será, siempre te equivocarás. Así que simplemente te digo: acéptalo cuando suceda, como si no pudieras hacer planes. Creo que es una tontería.

Moderador: Sí. Eh, volviendo a tu viaje al Medio Oeste, ¿qué aprendiste de la gente o, obviamente, visitando las redacciones? ¿Pudiste ver la imprenta completa? ¿Hay algo que aprendiste que realmente te inspirara a ti y a tu puesto?
Gleeson: No fui a la imprenta porque muchas ahora lo envían a la basura, así que habrá una imprenta en algún otro lugar del estado donde todos los periódicos envían su material a imprimir, porque —no es como antes, pero como la impresión se ha vuelto menos común— eso es lo que pasa. Lo cual, como descubrí, también ha resultado en plazos de entrega cada vez más tempranos. Como ahora está más lejos, tienes que enviarlo más temprano, así que existe una enorme presión para intentar estar al día…

La entrada La redacción de un periódico del Medio Oeste inspira la nueva comedia «The Paper» se publicó primero en LaCronica.do.

La espera ha terminado. El pasado 6 de agosto Netflix estrenó la tan anticipada segunda temporada de Wednesday (Merlina), la comedia negra que redefinió el universo de los Addams con un giro moderno, sarcástico y deliciosamente sombrío. La producción, liderada nuevamente por los showrunners Alfred Gough y Miles Millar, y con la visión gótica e inconfundible de Tim Burton tras las cámaras, promete llevar a los fanáticos por otro viaje caótico, elegante y macabramente divertido.

Jenna Ortega vuelve a encarnar a Merlina Addams, la adolescente antisocial por excelencia, con la misma intensidad y carisma que la catapultaron al estrellato en la primera temporada. Esta vez, la joven prodigio del crimen y la investigación regresa a los pasillos lúgubres de la Academia Nunca Más, el internado para marginados con dones sobrenaturales, enfrentándose a una nueva tanda de desafíos que no solo pondrán a prueba su intelecto, sino también sus vínculos familiares y emocionales.

La segunda temporada se divide en dos partes. La primera entrega de episodios (201 al 204) llegará el 6 de agosto, mientras que la segunda parte (205 al 208) se estrenará el 3 de septiembre. Esta estructura dividida permite mantener la tensión narrativa y prolongar el suspenso en torno al nuevo misterio que Merlina deberá resolver.

En esta nueva tanda de episodios, la historia se sumerge más profundamente en la mitología de Nunca Más. Nuevos enemigos se alzan, antiguos rivales reaparecen, y los lazos entre los personajes se tensan al máximo. Merlina no solo deberá navegar un nuevo caso sobrenatural que amenaza con sacudir los cimientos de la institución, sino que también deberá enfrentarse a dilemas personales que pondrán a prueba su ya frágil capacidad de conectar con quienes la rodean.

El espectro emocional de Merlina se amplía, aunque sin perder su sarcasmo y esa inteligencia afilada que la caracterizan. Veremos cómo lidia con una familia cada vez más invasiva, amistades complicadas (en especial con Enid Sinclair (Emma Myers), su brillante y colorida compañera de cuarto) y figuras del pasado que regresan con intenciones oscuras.

Elenco estelar y nuevas incorporaciones
Uno de los grandes atractivos de esta segunda temporada es su elenco, que crece en cantidad y calidad. A las ya conocidas figuras como Catherine Zeta-Jones (Morticia), Luis Guzmán (Gómez), Isaac Ordonez (Pugsley), Joy Sunday (Bianca), Hunter Doohan (Tyler) y Victor Dorobantu (Cosa), se suman nombres que prometen dar de qué hablar.

Entre las nuevas estrellas invitadas destacan Lady Gaga, quien hará su aparición en la segunda parte interpretando un personaje aún rodeado de misterio, y Fred Armisen, que retoma su rol como el Tío Lucas. Otros fichajes destacados incluyen a Joanna Lumley, Thandiwe Newton, Frances O’Connor, Haley Joel Osment, Heather Matarazzo, Joonas Suotamo y el legendario Christopher Lloyd, conocido por interpretar al Tío Fétido en las películas de los años 90, quien tendrá una participación especial que sin duda emocionará a los fanáticos de la saga.

Tim Burton vuelve a dirigir varios episodios de esta temporada, manteniendo esa estética gótica, onírica y siniestra que convirtió a Wednesday en un fenómeno visual. A él se suman Paco Cabezas y Angela Robinson, quienes aportan sus propias sensibilidades cinematográficas sin perder coherencia con el universo creado.

La dirección artística sigue siendo uno de los puntos fuertes de la serie. Desde los vestuarios hasta los escenarios, todo respira ese aire decadente y elegante tan propio de los Addams, mientras que la paleta de colores apagados, el uso de sombras dramáticas y las composiciones cuidadosamente diseñadas le dan a la serie su identidad visual única.

Ingredientes clave: misterio y horror
Si algo funcionó en la primera temporada fue el equilibrio entre el humor ácido, el misterio de estilo noir y el horror adolescente. La segunda temporada de Merlina redobla la apuesta. El nuevo caso que Merlina intentará resolver involucra elementos sobrenaturales aún más intensos, con pistas que se entrelazan con las leyendas antiguas de Nunca más y secretos oscuros enterrados bajo la historia familiar de los Addams.

Sin perder su tono irreverente, la serie explora temas como la identidad, la lealtad, la complejidad de las relaciones familiares y la angustia adolescente. Merlina, aunque sigue siendo una outsider por elección, comienza a mostrar grietas en su coraza emocional. ¿Podrá mantener su independencia cuando sus sentimientos entren en conflicto con su lógica implacable?

Desde su debut, Wednesday se ha convertido en un fenómeno global. La combinación de un personaje icónico como Merlina Addams con una reinterpretación contemporánea y feminista caló hondo en nuevas audiencias sin perder el favor de los nostálgicos. La serie ha sido aclamada tanto por su guion agudo como por la actuación de Ortega, quien ha sido nominada a múltiples premios y se ha consolidado como una de las actrices jóvenes más prometedoras de su generación.

La segunda temporada promete mantener ese nivel de calidad, profundizando en la psicología de los personajes y expandiendo el mundo sobrenatural de Nunca Más con nuevas criaturas, mitos y revelaciones que mantendrán a los espectadores pegados a la pantalla.

La temporada 2 de Merlina llega con todas las credenciales para repetir —y quizá superar— el éxito de su primera entrega. Más oscura, más compleja y más ambiciosa, esta nueva etapa promete no solo deleitar a los fanáticos, sino también consolidar a la serie como una de las joyas indiscutibles del catálogo de Netflix.

La primera parte estará disponible desde el 6 de agosto de 2025, con cuatro episodios que nos volverán a sumergir en el encantador y espeluznante mundo de Merlina Addams. Y para quienes sobrevivan al suspenso, la segunda parte llegará menos de un mes después, el 3 de septiembre, con la conclusión de un misterio que, como la propia Merlina, será tan impredecible como inolvidable.

La entrada «Merlina» más oscura, retorcida y adictiva que nunca en su segunda temporada se publicó primero en LaCronica.do.

El semanario La Crónica participó de manera virtual en la rueda de prensa internacional de presentación de Sirens, la nueva serie limitada de Netflix que se estrena este jueves y que ha despertado gran expectativa en la audiencia. La producción, que mezcla drama psicológico y elementos de thriller, cuenta con un elenco destacado encabezado por Meghann Fahy (The White Lotus), Milly Alcock (House of the Dragon), Glenn Howerton (It’s Always Sunny in Philadelphia), Félix Solís y el emergente Ethan Corbin the Third. 

En el encuentro con los medios, los actores compartieron detalles sobre el desarrollo de sus personajes, el tono de la serie y las dinámicas que se generaron durante el rodaje. También reflexionaron sobre los temas centrales de Sirens, como la manipulación, el deseo y la delgada línea entre la verdad y la ficción. Esta producción promete ser una de las más comentadas del año por su audaz narrativa y su potente reparto.

¿Cómo se involucró cada uno de ustedes en la producción de Sirens?  ¿Cómo fue el proceso de audición?
Meghann. Leí el piloto de la serie y me enamoré.  Entonces dejé muy claro que estaba interesada en ser parte de ello.  Y hablé de eso en voz muy alta durante mucho tiempo, y luego finalmente los rompí. ¿Sabes?  Y así fue como me fue a mí.
Glenn: Les convencí.
Milly, ¿y tú?
Milly: Acabo de hacer una audición [risas] tradicionalmente.
Meghann: Eso es una locura.
Milly: Dios mío. En realidad, ni siquiera puedo recordar [risas] cómo empezó todo.  Leí el piloto.
Glenn: Con suerte, viste el proyecto primero y luego hiciste la audición, en ese orden.
Milly: Sí. Oh, no, lo hice.  Sí, lo hice. Vi el proyecto, hice una audición y luego tuve una reunión con Nikki y Molly. Y entonces lo entendí.

Increíble.  ¿Glenn?
Glenn: Yo.  Bueno, ya no hago audiciones para cosas. Eso no es cierto.  Sí. Lo hago, lo hago.  No lo hice por esto.  Esta fue solo una oferta directa y me enviaron el guion. Y pensé que el guion era absolutamente asombroso.  Pero luego me sentí confundido porque mi personaje es un tipo dulce y agradable, y pensé: «¿Por qué me eliges para esto? Soy un tipo agradable y dulce en la vida real. Pero normalmente interpreto a maníacos horribles y furiosos.

Entonces, ¿por qué me pides que haga esto?». Pero estaba muy agradecido de que me pidieran que hiciera algo totalmente diferente. Pero también tuve una reunión con Nikki y Molly sobre el personaje y, más o menos, hacia dónde se dirigía. Y, ya sabes, esto es lo aterrador de inscribirte en cualquier cosa en la que no hayas leído todos los guiones, y piensas [hace ruido] «¿A dónde vamos con esto», ¿sabes?

Félix.
Félix: Oh, me pidieron que hiciera una audición. Y luego me grabé y lo envié. Y luego me pidieron que me reuniera con ellos, tuvimos una conversación y luego me pidieron que lo hiciera.  Así que estaba muy, muy… No. Sí, fui muy amable. No, ya sabes, fue solo el proceso. El proceso tradicional de audición. Aunque conocía el trabajo de Molly Smith por su experiencia en teatro.  Soy actor de teatro de nacimiento. Y crecí en las tablas, como decimos.  Y así conocí su trabajo como dramaturga y teatro.  Entonces, estaba familiarizado con eso.  Y así conocí la obra Elemeno Pea en la que se basa el espectáculo. Y creo que tuvimos una conversación muy rápida, en un momento en que la producción estaba en el escenario, que ella esperaba que yo pudiera hacerlo o lo que sea.  Y entonces, cuando llegó el momento de esta versión, ella tenía…

Sí. No, eso es genial. Quiero decir, definitivamente es muy divertido. La siguiente pregunta es para Meghann y Milly sobre la relación en pantalla entre Devon y Simone. Es claramente intenso, complejo y altamente codependiente. ¿Puedes hablarnos de cómo ambos trabajaron fuera de la pantalla para crear esta codependencia e intensidad en pantalla?
Meghann: Básicamente, le rogué a Milly que saliera conmigo los fines de semana. Y ella siempre estaba haciendo cosas interesantes. Ella decía: «Me voy a un lugar genial. Lo siento».  No, eso no es cierto.
Milly: Eso no es cierto.
Meghann: Pasamos algún tiempo juntos.
Milly: Sí.
Meghann Pero fue muy fácil.
Milly: Sí.
Meghann: Fue algo muy natural.
Milly: Fue muy fácil.  Pero tampoco tenemos hermanas.
Meghann: Eso es cierto. Y siempre quise uno.

Sí, bueno, funcionó.  Se muestra en la pantalla.
Milly: [risas] Eso es bueno.

Bill, Bruce DeWitt, el padre de esta historia, es, por decir lo menos, un personaje muy complicado. ¿Cómo te preparaste para interpretarlo?
Bill: Simplemente confié en la escritura y me permití atravesar cualquier puerta que apareciera frente a mí, si eso tiene algún sentido. Y tenía un elenco tan brillante con quien trabajar, en quien confiaba implícitamente, que sentí que, ya sabes, podía hacer cualquier cosa. Y si funcionó, funcionó.  Si no fue así, no fue así.  Y que, ya sabes, podríamos intentarlo de nuevo si no fuera así.  ¿Pero en términos de preparación para un tipo así? Investigué un poco. Y pasó un poco de tiempo con un par de personas en un estado de evolución similar al de donde él se encuentra.  Pero aparte de eso, ya sabes, simplemente confío en mis instintos y me divierto. Y usar mi propia experiencia de vida [risas]. Y entonces fue, ya sabes, «Juguemos».

Eso es [¿bueno?].
Félix: De vuelta a ti, Bill.
Milly: Sí, definitivamente sentimos esa [¿energía?].
Bill: Eso es todo.Sabes, de verdad, por eso fue una experiencia tan increíble para mí.
Félix: Estaba en el set cuando Bill estaba filmando escenas, y ni siquiera estaba en esas escenas, y simplemente venía, me sentaba y miraba.

Eso es hermoso.
Félix: Es un honor absoluto sentarse y observar a un maestro trabajar. Entonces, me senté atrás y miré. Te atraparé después de esto.

Y también me encanta lo que dijiste sobre lo que hay en la página y cómo atravesar eso y las puertas que están abiertas.  Es realmente significativo.
Félix: Quiero decir, recuerda lo que siempre mencionamos sobre el teatro, donde, como actores de teatro, esa es nuestra música. La obra es la cuestión. Entonces, el primer instinto siempre será ver qué es esa música y cómo se reproduce esa música en la página.

Esto es para Glen y Milly.  Si pudieras hablar un poco sobre la relación de Simone y Ethan, la dinámica de poder, el secreto.  ¿Qué fue importante para ustedes dos para ayudar a establecerse para el público?
Glen: Quiero decir, ¿estamos…?
Milly: ¿Qué podemos decir?
Glenn: Sí.  ¿Qué podemos decir y qué no podemos decir?  No, en serio.

La entrada «Sirens», la serie que pone a prueba los límites entre verdad y ficción se publicó primero en LaCronica.do.

La actriz y escritora Charlotte Gainsbourg (Londres, 1971) saltó a la fama tras el éxito de Nymphomaniac: Vol. II (2013), Anticristo (2009) y Melancolía (2011) y está en el reflector de los medios tras el estreno de Etoile, la serie de Amazon Studio que se estrenó el 24 de abril pasado.

Ambientada en la ciudad de Nueva York y París, esta serie cómica de ocho episodios sigue a los bailarines y al personal artístico de dos compañías de ballet de renombre mundial, mientras se embarcan en una ambiciosa apuesta para salvar sus históricas instituciones intercambiando a sus estrellas más talentosas. 

Con ocho nominaciones a los premios César y dos veces galardonada, Mejor actriz en el Festival de Cannes y otras tres nominaciones los premios europeos, comparte roles con Luke Kirby, Lou de Laage, Gideon Glick y David Alvarez, en esta producción que empieza a meterse en la piel del público.

Cuando está frente a los medios se muestra fiel a lo que defiende cuando actúa, como se pudo percibir en una conferencia virtual en la que participó La Crónica, en la que conversó sobre los retos de su personaje, su método de preparación y sus aspiraciones en cada proyecto cinematográfico. En esta nueva serie está convencida que el público disfrutará sobre el fascinante y emocionante mundo vertiginoso de la danza global, la preservación de las artes y la pasión de cada uno por hacer lo que ama.

¿Qué elementos de tu propia vida, como tu educación bilingüe, utilizaste para crear este personaje?
Bueno, Amy [Sherman] y Dan [Palladino] no querían que yo tuviera antecedentes ingleses porque iba a tener una hermana.  En la historia ella tenía acento francés.  Entonces dije: ‘Ah, entonces mi padre debe ser inglés’.  Y Amy dijo: ‘No’.  [risas]. Entonces, no creo que importe. Todos nuestros acentos. Todos nuestros diferentes acentos. Pero, por supuesto, aproveché mi experiencia. Utilizo todo lo que puedo para el personaje. Fue divertido para mí pasar del francés al inglés. Y nunca he hecho esto en una película. Poder hablar no tanto francés, pero sí bastante.  Quiero decir, sí.  Como mi personaje estaba en Francia, hablaba francés con bastante frecuencia. Y fue divertido.

Lo que me encantó de ver a tu personaje es cómo queda atrapada en la burocracia de su trabajo. Es que por mucho que quiera hacer lo que quiere, hay personas por encima de ella y personas por debajo de ella, tiene que navegar a través de esto. También en su profesión, ¿qué correlación tiene eso?  ¿Qué tan interesante ha sido esa navegación en tu vida?
No tengo que fingir en mi vida. Quiero decir, ya sabes, no tengo que fingir como ella. Y toda la ministra de Cultura, el hecho de que constantemente siente que la van a despedir, y ese puesto, lo tenemos en las películas donde podemos ser reemplazados. Tal vez haya un poco de esto que no resulta tan cómodo. No estar tan seguro. Pero creo que lo oculta constantemente, lo cual es un trabajo duro. Porque puedes sentir que ella no es tan fuerte. Quiero decir, ella tiene ideas fuertes.  Pero ella finge estar segura de sí misma. Sí.

Retratas a una mujer poderosa que también es tierna y un poco torpe. Ella es tonta. ¿El personaje fue escrito de esa manera o es algo que aportaste al papel?
No. Fue escrito de esa manera. Me encanta la forma en que escriben. Nunca antes había hecho una comedia en inglés. Entonces, me encanta la forma en que usan las palabras y la torpeza, eso realmente fue parte de su escritura. Por eso, es raro tener un personaje que ames. Ya sabes, durante tanto tiempo.  Porque no fue un rodaje de dos meses como estoy acostumbrado. Fue un rodaje de nueve meses. Poder amar a tu personaje y divertirme fue realmente muy especial para mí.

Un par de cosas. Primero, siguiendo con la comedia, no sé si escuchaste lo que decía Amy, lo genial que estuviste. Todo eso. Pero ella dijo que nunca te vio haciendo comedia. Como francés, te hemos visto haciendo eso. Pero es cierto que en Etoile, la comedia física, es mucho más de lo que la gente espera de ti.  Entonces, ¿fue un trabajo duro? ¿O simplemente tú, en esa etapa de tu vida, eres más libre y lo intentas?  Y, además, como eras más joven, no hacías ese tipo de comedia.
No.

Y cuando empezaste aquí, eran papeles mucho más serios. ¿Sientes también que, nuevamente, en esa etapa de tu carrera, de tu vida, estás más abierta a ese tipo de oportunidades?
Quiero divertirme. Me encantan las películas y los dramas serios, sin duda.  Pero es maravilloso poder ser ligera. Necesitaba ser ligera. Especialmente en ese momento de mi vida. ¿Y entonces cuál fue tu pregunta? Oh, las cosas físicas.  Simplemente sucedió.  Fue muy divertido.  Creo que los zapatos rojos eran algo muy importante en mi mente.

Y el hecho de que siempre quise quitármelos y volver a ponérmelos. Y la torpeza, la agitación, la agitación constante lo hizo posible. Eso es algo gracioso. Pero sí. Fue escrito de esa manera. Y me divertí mucho. Quería bailar. Pensé que cuando vinieron a pedirme que hiciera esto, pensé, oh, entonces ella tiene experiencia en ballet.  Soy una ex bailarina. Entonces puedo ponerlo en mi personaje y todo. Y ella dijo: ‘No. No. No lo eres’.  [risas]. Entonces, estaba realmente frustrada. Entonces, puse todas mis cosas físicas.

Pero te pregunto específicamente sobre la comedia física. Porque verte en la época de Elsa, siendo francesa, por supuesto, me recordó en cierto modo a Jackie, o a las grandes actrices físicas que teníamos en el escenario de París.
[Risas] ¿En serio?

Y yo digo, nunca había visto a Charlotte haciendo eso.  ¿Te ves yendo más por ese camino?  
No.

No [risas].
No lo creo. Pero es muy divertido hacerlo.

En la segunda temporada.
[Risas] Sí.

Me encanta que seas libre en este personaje. Amy Palladino te describe como el Lenny Kravitz de los franceses [risas].  Habla de eso porque eres muy libre en este personaje.  Y también, la tensión sexual entre Luke Kirby y tú es…
…Ser sexual [risas].  Fue divertido. Es un gran socio. Nos divertimos mucho. Y es muy fácil. Quiero decir, fue un placer trabajar con todos los personajes, todos los actores. Y no es tan obvio tener un gran equipo y grandes compañeros actores.  Pero lo siento. ¿Cuál fue tu primera pregunta?  Tú preguntaste eso.

Amy Palladino te describió como el Lenny Kravitz de los franceses [risas].
Oh [risas].  

Porque ella, como, te quitas los zapatos y luego corres al salón.
Sí.  Me sentí muy libre, tal vez, por primera vez, simplemente cometiendo un error.  Divirtiéndose. Porque Amy y Dan, ambos, ya sabes, estaban presionando para decir, ya sabes, haz lo que quieras.  Y fueron muy fáciles con esa y cualquier propuesta.  Y luego lo endurecerían.  Y, ya sabes, contar con sus aportes, por supuesto. Pero al principio daban la bienvenida a cualquier tipo de locura.  Mmm.

Charlotte, ya sabes, quiero decir, a menos que, no lo sepa, pero ¿sabías esto, como, detrás de escena del mundo del ballet y el bailarín y todo eso?
En absoluto. Ojalá hubiera tenido esa pasión porque amo las cosas físicas. Me encanta el esfuerzo físico. Pero fui al ballet con mi hermana. Ella era cuatro años mayor. Y después de un año estaba aburrida. Entonces decidió parar. Y eso significaba que yo también tenía que parar. Entonces, [risas] hice un año cuando tenía cuatro años.  Pero creo que tenía cuerpo para poder bailar. Entonces, es una verdadera frustración. Pero no sé mucho sobre las coreografías y el famoso ballet.  Quiero decir, conozco a los muy famosos.  Pero no, no creo que Amy tenga verdadero ojo y pasión por ese mundo.

Hablando de trabajar en el papel, la investigación, ¿qué tan familiarizada estabas con el trabajo anterior de Amy y Dan?
Vi, gracias a mi hija, Gilmore Girls. Y vi a Maisel. Entonces, lo que aprendí fue Dan, porque vi esto con mi pequeña cuando era más pequeña, Family Guy.  Y vi que [risas] empezó.  Quiero decir, él estuvo involucrado. Pero eso es todo. Pero conozco su trabajo, es decir, conocía su trabajo.

Dijiste que cuando te llegó este proyecto buscabas agradar.  ¿Puedes explicarnos un poco más sobre eso?  Querías hacer algo divertido.  Querías agradar.  
Luz, luz.

Oh, la luz.  Pensé que ¿no te agradaba [risas].
[Risas] No. Fueron muy dulces desde el principio.

Sí.
No. No. Necesitaba cierta ligereza.

Ah.
Y sí.  Sólo para concentrarme en algo divertido.

Sólo un rápido seguimiento de eso.  Estoy seguro de que puedes elegir tus proyectos.  Entonces, me preguntaba qué te hizo elegir este y qué es importante para ti en general cuando te inscribes en proyectos en esta etapa de tu carrera.
No he hecho muchas series, que digamos, esta es la primera en Estados Unidos.  Participé en algunas en Francia. Pero no es un mundo que yo conozca. Tenía mucha curiosidad, eso es todo realmente. Cuando leí los cuatro primeros episodios me convencí de que quería ser parte de ellos. Los conocí, conocí a Lucas en Nueva York y fue muy emocionante. El proyecto fue apasionante. Todo ese mundo del baile. No pude ver los estudios todavía. Pero ya habían construido toda la ópera.  Iba a ser algo grande.  Sí.

La entrada Charlotte Gainsbourg: «Me encantan las películas y los dramas serios, pero es maravilloso poder ser ligera» se publicó primero en LaCronica.do.