Santiago. En el marco de la inauguración de una nueva funeraria por parte de la Liga Municipal Dominicana (LMD),esta vez en el Distrito Municipal San Francisco de Jacagua, con un costo de RD$15,613,588.60, el presidente de la institución, Víctor D’Aza, manifestó que este año ya se han inaugurado 8 funerarias y que está en agenda otras entregas.

La inauguración de esta funeraria municipal no ha sido el único apoyo brindado por la LMD a la comunidad de Jacagua.

El distrito municipal fue beneficiado anteriormente con un carro fúnebre valorado en RD$2,600,000, y con transferencias para el Programa de Aceras y Contenes por un monto de RD$11,513,740.35, con una ejecución de 1,980 m² de aceras construidas y 2,441 ml de contenes.

Con estos aportes, la inversión total canalizada hacia este municipio asciende a RD$29,727,328.84.

Recientemente se entregó para la comunidad unos RD$13,263,964.86 que fueron transferidos desde Presidencia para el programa de Aceras y Contenes.

“La inauguración de esta funeraria es un paso firme para dignificar los servicios municipales. Cuando se trabaja con planificación y apoyo, los proyectos llegan para servirle a la gente, y ese es el verdadero propósito del Gobierno que representa el presidente Luis Abinader, aportar soluciones concretas para los territorios”, sostuvo el líder de la municipalidad.

Además, de la funeraria inaugurada en el día de hoy en San Francisco de Jacagua, ya se habían entregado obras de esta naturaleza en las comunidades de Canabacoa y Villa Jaragua.

La ruta de inauguración de estas obras municipales por parte de la LMD continuará, antes de concluir este año, hacia las comunidades de La Peña,SFM, Guayabal,Palmar Arriba,La Cuesta y La Descubierta.

El presidente de la LMD resaltó el respaldo recibido para la materialización de esta importante obra y su equipamiento por parte del alcalde distrital Miguel Colome,señalando que este proyecto contribuye a resolver una necesidad concreta de la comunidad.

La Funeraria Municipal fortalece el equipamiento público del distrito y reafirma la importancia de continuar impulsando iniciativas que mejoren la calidad de vida de la población.

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Si bien admitimos que no somos consumidores de mucho cine dominicano por prejuicio de las reiteradas formulas habituales, consideramos esta Melodrama de Andrés Faria como una apuesta diferente o poco común; que evita los patrones recurrentes, estridentes y facilones; concebidos en el país para una masa de espectadores que solo buscan simple evasión; con poco interés por algo que proponga un reto artístico y conceptual distinto en su temática y su puesta en escena. Por tal razón, el filme amerita de una audiencia diferente. El tema abordado por la película está cada vez mas presente en nuestro entorno.

Al margen de todo el discurrir histórico entre Republica Dominicana y Haití, hay que agregar la cantidad de relaciones formales e informales a nivel de matrimonios o uniones libres que subyacen bajo miradas francas y esquivas, pues el tema no resulta cómodo para muchos que deben convivir con tal realidad en sus entornos. El nivel de tolerancia y aceptación de muchas de esas relaciones depende de las cualidades socioculturales y económicas de los involucrados, lo que no es la mayor estadística de los casos. 

En la mayoría de los sectores de estratos bajos, donde convive la gran masa poblacional, suceden este tipo de relaciones, en que impera la marginalidad y la conveniencia para unos y otros. Según confiesan muchas mujeres dominicanas, una de las causas que las lleva a esas decisiones es el machismo del dominicano y su constante pavoneo al sostener vínculos con más de una dama, lo que también es causa de fuga económica. Y en cuanto a este tema, el cine local no va a mantenerse al margen. 

En el caso que nos ocupa, el filme Melodrama, de Andrés Farías, quien se combina para la escritura del guion con Rey Andújar y Julia Scrive-Loyer, el enfoque temático navega en una mezcla de matices que incluye drama, fantasía, realismo mágico y videoarte; adornado con una decoración vibrante y multicolor del trópico y una iluminación que cumple su rol estético, para enmarcar una trama lineal única, en gran parte melancólica, donde el personaje central buscará resurgir del agobio que la envuelve.

Tras la muerte de su esposo, Sonia (Mercedes Morales), bajo iniciativa de su hija Miriam (Sarah Jorge León) es reubicada en un apartamento de menor dimensión que su casa anterior, con su sirvienta Dilenia (Cyndie Lundy), donde sus días transcurren sumergidos en silencio y música evocativa de cierta nostalgia entre fumadas distantes; ambiente que será alterado por el ruido de una construcción cercana; elemento este que se convertirá en otro personaje más en muchos momentos y es allí donde surge la figura cautivante de un hombre que despierta el interés de Sonia por reencausar su vida en pareja.

El origen de este hombre, Aimé (Jimmy Jean-Louis), obrero (que por una eventualidad accede al apartamento), y su condición de haitiano, desequilibran el reducido entorno familiar y social que vemos de Sonia (compuesto por hija, nieta, sirvienta y dos amigas frecuentes), provocando más adelante, un rechazo casi natural hacia aquel propósito como algo inviable, mientras ella ya experimenta una transición en su estado de ánimo, sustentado en sucesivos encuentros furtivos, con los cuales la audiencia reacciona y empatiza. El desenvolvimiento de Mercedes Morales por sus silencios, corporeidad, respiración y miradas, nos genera grata sensación al evocar -a nuestro entender- peculiaridades y paralelismo con la actriz Sonia Braga (n. Maringá, Paraná, Brasil, 1950) 

Cuando hicimos esta aseveración en el cine-fórum sostenido tras la proyección en el Centro Cultural Banreservas el pasado jueves 17 de septiembre ante el director y parte de su elenco, este confirmó lo comentado, como ciertamente una inspiración a partir de la interprete brasileña, especialmente por su filme Aquarius (2016, de Kleber Mendonça Filho), y por tal razón el personaje de Morales se llama Sonia. 

La Sonia de Mercedes Morales transcurre en un tobogán emocional de varias capas; con elocuentes silencios, melancolía, soledad, diálogos breves y precisos, mientras sostiene sus roles de madre (de una hija con sus problemas matrimoniales propios), como abuela de una jovencita inquieta y en cierto modo transgresora (Adriana Zayas); y como amiga de dos mujeres cuyas vidas fluyen sin mayores inquietudes que las de disfrutar las copas de sus encuentros entre el cotilleo sobre otras amigas. Ese círculo se verá contrariado con las revelaciones de Sonia.  

Con escasas secuencias de exteriores y sin ninguna otra subtrama en el relato (que bien pudo generarse con el personaje de Miriam); para parte de los anhelos y pensamientos de Sonia y su interacción con Aimé, el director opta por fases fantásticas y de realismo mágico, que acentúa con música, elaborado vestuario de colores intensos, con escenarios e iluminación particulares que consideramos adecuada y diferente del apartamento que es el set principal de la historia y donde gran parte del metraje se expone ante el espectador como si este estuviera ante un teatro por el punto de vista de la cámara, algo en lo que Alfred Hitchcock imparte maestría en su filme La Soga, de 1948. 

La película de Farias, también responsable de Candela (de 2021), luce cuidada en detalles, elegante en sus tonalidades, y precisa en su metraje de 90 minutos; y talvez sin proponérselo, este le da un toque sensorial a la obra; por la paleta de colores de lo que está en pantalla; por los matices del mar tomado al natural y al también plantearlo en artificio; con una banda sonora que por momentos suena ominosa y sombría, para luego alternarla en varios instantes, mientras, en una labor de paracronismo, se manipulan discos de vinil con las canciones que prefiere la protagonista. 

Hay que señalar también las sutiles imágenes de intimidad de la pareja protagonista, en un ejercicio de videoarte en sobria tonalidad y geometría. Estamos ante una vena que el director podría desarrollar más a menudo como sello distintivo, tal como notamos en las reiteradas tonalidades intensas de las ambientaciones de Pedro Almodóvar y la ambientación pastel de Wes Anderson. 

Igualmente vale citar la parquedad y economía de apariciones de Jimmy Jea-Louis (nacido en Pétion-Ville, Haiti, 1968), un veterano modelo, actor y productor, desarrollado en Europa y Estados Unidos, compartiendo roles con Bruce Willis (Lagrimas del sol); con Sebastián Stan (Pam & Tommy); con Mo’Nique (en Chica XXL) y otros más de cien títulos; y a quien, con su imponente presencia, y consciente de quien es la figura central en Melodrama, el relato lo reserva para puntuales momentos.  

Como propuesta de República Dominicana rumbo al premio Oscar de 2027 para Mejor Película Internacional, Melodrama, estrenada a mediados de julio pasado, enfrenta grandes competidoras, como Rumania (Fjord), Austria (Rose); España (La bola negra); Alemania (Everytime) y Corea del Sur (Amor posible), entre otras. Las 15 finalistas serán anunciadas el 15 de diciembre. Las cinco nominadas al Oscar se darán a conocer, junto al resto de categorías, el 21 de enero de 2027.

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Vivimos en una sociedad que nos ha enseñado a pensar mucho, producir constantemente y resolver problemas, pero muy poco a sentir. Hemos aprendido a funcionar en «piloto automático», atendiendo las demandas del trabajo, la familia y las responsabilidades diarias, mientras ignoramos las señales que nuestro cuerpo intenta enviarnos. El resultado es una desconexión cada vez más profunda entre la mente, las emociones y el cuerpo.

En mi consulta, he podido observar que muchas personas son capaces de describir con detalle sus obligaciones y preocupaciones, pero tienen grandes dificultades para responder una pregunta aparentemente sencilla: «¿Cómo te sientes?».

Al consultorio llegan personas que viven con ansiedad, insomnio, fatiga constante o dolores físicos recurrentes, pero que apenas pueden identificar las emociones que los acompañan. Algunos dicen: «Solo sé que me siento mal», «Estoy agotado» o «Mi cuerpo ya no responde como antes».

La ciencia ha demostrado que las emociones no solo se experimentan en la mente; también se expresan en el cuerpo. El estrés prolongado, la tristeza reprimida, el miedo o la ira sostenida generan cambios fisiológicos que afectan el sistema nervioso, el sueño, la digestión, el sistema inmunológico e incluso la salud cardiovascular.

He podido observar que muchas personas han aprendido, desde la infancia, a desconectarse de sus emociones como una forma de supervivencia. Crecieron en entornos donde expresar tristeza, miedo o vulnerabilidad era considerado una debilidad o una molestia. Con el tiempo, aprendieron a ignorar sus emociones y, en consecuencia, también dejaron de escuchar su cuerpo.

Diversos especialistas en bienestar emocional han señalado que el cuerpo lleva la cuenta de todo aquello que la mente intenta olvidar. Muchas veces, las emociones no expresadas terminan manifestándose a través de tensión muscular, migrañas, problemas gastrointestinales o un cansancio persistente sin causa médica aparente.

En terapia, solemos recordar que el cuerpo no es un enemigo ni un obstáculo. Es un mensajero. Cada síntoma, cada sensación de agotamiento y cada señal física pueden convertirse en una invitación a mirar hacia nuestro interior y preguntarnos qué necesita ser atendido.

En este sentido, cobra vigencia la antigua expresión latina mens sana in corpore sano, traducida como «cuerpo sano, mente sana». Lejos de entenderla únicamente como una invitación al cuidado físico, esta frase nos recuerda que existe una relación profunda y bidireccional entre el bienestar emocional y el estado del cuerpo. No podemos aspirar a una mente en equilibrio si ignoramos sistemáticamente nuestras necesidades básicas de descanso, movimiento, alimentación y autocuidado; del mismo modo, el cuerpo también se resiente cuando las emociones son desatendidas. Cuidar de uno implica, inevitablemente, cuidar del otro: escuchar lo que sentimos, atender lo que el cuerpo expresa y reconocer que la salud es una experiencia integral que abarca tanto lo físico como lo emocional.

También he podido observar que algunas personas viven tan desconectadas de sí mismas que solo se permiten descansar cuando el cuerpo las obliga a hacerlo mediante una enfermedad o un agotamiento extremo. Han normalizado vivir en estado de alerta permanente y han olvidado cómo se siente la calma.

Reconectar con el cuerpo implica aprender a detenerse, respirar, descansar y prestar atención a las propias necesidades. Significa volver a habitar el presente y desarrollar una relación más amable con uno mismo.

Porque el bienestar emocional no consiste únicamente en pensar de manera positiva. También implica aprender a escuchar el lenguaje del cuerpo, reconocer las emociones y permitirnos sentir sin miedo ni juicio. Y quizá una de las grandes lecciones de nuestro tiempo sea comprender que el cuerpo siempre encuentra la manera de expresar aquello que el corazón lleva demasiado tiempo callando.

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Para el pueblo, el arroz trasciende con creces la categoría de un simple producto agrícola o una mercancía sujeta a las frías estadísticas del intercambio comercial. Es el núcleo de su mesa, el alimento sagrado que vertebra la dieta diaria y, sobre todo, el motor económico y social que sostiene la vida en más de veinte provincias del territorio nacional.

Frente a las complejidades derivadas de los tratados de libre comercio, la solicitud planteada en rueda de prensa ayer miércoles por la Fuerza del Pueblo a las autoridades de los Estados Unidos, para que se considere un tratamiento especial y diferenciado al cereal dentro del DR-CAFTA, pone de relieve un imperativo ético y de seguridad nacional, y es que ningún acuerdo internacional puede anteponerse a la supervivencia de miles de productores locales ni comprometer la estabilidad social del país.

El fondo de esta discusión radica en las profundas asimetrías estructurales que separan al agro estadounidense del dominicano. Mientras el productor de Norteamérica opera con grandes extensiones de tierra, millonarios subsidios, avanzada mecanización y una robusta red de políticas públicas de apoyo, el agricultor de estas tierras brega en condiciones de evidente vulnerabilidad. Un ejemplo elocuente es el de los parceleros de la Reforma Agraria, quienes cultivan extensiones reducidas de apenas unas cincuenta tareas en promedio y de cuyo esfuerzo cotidiano depende cerca del 45 % de la producción nacional de arroz, según cifras difundidas por el referido partido.

Desproteger este sector no solo significaría un golpe devastador para la economía rural, que genera cientos de miles de empleos directos e indirectos, sino que abriría la puerta a una peligrosa dependencia externa en un recurso tan vital como la alimentación. El espejo de otras naciones de la región que vieron colapsar sus mercados internos tras abrir sus puertas sin salvaguardas efectivas debe servir como una lección ineludible.

Reclamar este trato especial no implica un rechazo al comercio internacional ni un desconocimiento de los vínculos históricos y de amistad con los Estados Unidos. Se trata de armonizar intereses mediante el diálogo constructivo y la diplomacia, reconociendo que el mercado dominicano posee dimensiones humanas y sociales que merecen respeto. Como se ha reiterado, no se piden privilegios graciables, sino sensibilidad ante una realidad donde cada tarea sembrada guarda relación directa con familias trabajadoras y comunidades enteras.

En resumidas cuentas, defender la producción nacional de arroz es blindar el futuro de la República Dominicana. El campo no es una moneda de cambio en las negociaciones bilaterales, es la raíz misma de nuestra soberanía alimentaria y el reflejo de la dignidad con la que nuestra gente labra su porvenir. Proteger al productor local es garantizar que el pan de cada día siga germinando en su suelo.

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Además de ser guaridas de delincuentes de cualquier calibre los cementerios o camposantos públicos regularmente administrados por los ayuntamientos son lugares que ni para los muertos sirven. Tengo la impresión de que esa actitud displicente de mantener como basureros los cementerios públicos tiene mucho que ver con el desarrollo de los centros privados de sepulturas que han aumentado considerablemente obligando a la gente a adquirir terrenos carísimos que siempre mantienen a las personas con deudas permanente casi de por vida.

En cuanto al trato que se le debe dar al fallecido y su dignidad tienen ciertos parecidos a los cementerios públicos que no dan privacidad. Los vivos tienen que pisar las tumbas algo que a mi vista resulta desconsiderado y abusivo debido al costo de un entierro en uno de esos negocios privados.

Pero volviendo a los camposantos públicos el negocio es grandioso para los administradores de turno. Esto así porque venden y revenden tumbas por falta de papeleo que los deudos pierden a cada momento. Hay una mafia para construir tumbas, para los entierros para las misas y para todo lo que se mueve allí.

Los guardianes en el caso del Cristo Redentor hacen que la gente les pague dizque para mantener el orden, pero al final dejan a los dolientes solos rodeados del tigueraje que prolifera en los cementerios lo que llena de miedo a los visitantes. Igual pasa con la seguridad en esos lugares, es nula a cualquiera lo asaltan a pesar de que existe un amplio personas dizque de guardianes municipales en las prácticas no hacen ninguna labor.

En fin, todo allí es un negocio desde la entrada hasta la salida de muertos y vivo, algo que es lamentable cuando ve y escucha a cada alcalde de cualquier municipio pontificar sobre la seguridad ciudadana, la recogida de basura que es un mito o cualquier otro servicio que la gente no perciba.

Las alcaldías y ayuntamientos deben ser el primer contacto del político y su partido para con la población, pero en este país eso no sirve para nada, dejando a la gente en el total abandono sólo utilizable para tiempos de campaña. Lamentable esto que hasta en los cementerios se refleje la incapacidad política y partidaria para darle servicios a la población.

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Hay una idea de Biografía del silencio, de Pablo d’Ors, que se me quedó dando vueltas: quizá una de las mejores maneras de ayudar a los demás sea, sencillamente, ser uno mismo. No parece una revelación extraordinaria. De hecho, vivimos rodeados de frases que nos invitan a ser auténticos, a encontrar nuestra esencia y a dejar de preocuparnos por lo que piensen los demás. Pero cuando una idea tan sencilla aparece en el contexto adecuado, deja de ser una frase bonita y empieza a incomodarnos. Porque una cosa es decir que queremos ser nosotros mismos y otra, bastante más exigente, es dejar de interpretar el personaje que creemos que los demás necesitan.

Durante mucho tiempo hemos entendido ayudar como una forma de intervenir. Dar consejos, resolver problemas, anticiparnos a las necesidades ajenas, tener siempre una respuesta disponible. Y, por supuesto, hay momentos en los que eso es necesario. Pero también existe una manera de acompañar que no consiste en hacer, sino en estar. En ofrecer una presencia que no necesita adornarse, una conversación que no pretende demostrar nada y una forma de vivir que no se convierte en una lección permanente para nadie.

Ser uno mismo no significa convertirse en una persona incapaz de cambiar. Tampoco consiste en utilizar la autenticidad como excusa para la indiferencia, la mala educación o el egoísmo. Significa algo bastante más interesante: dejar de construir nuestra identidad alrededor de lo que creemos que debemos representar. Porque cuando uno pasa demasiado tiempo intentando ser lo que otros esperan, termina ofreciendo una versión de sí mismo que puede resultar impecable, pero que difícilmente puede acompañar a alguien de verdad.

Pensemos en esas personas cuya presencia nos hace bien sin que sepamos explicar exactamente por qué. No necesariamente son las más elocuentes, las más exitosas ni las que tienen una solución para cada problema. A veces son quienes se permiten estar tranquilos, quienes no necesitan llenar todos los silencios y quienes pueden reconocer que no saben algo sin convertirlo en una tragedia. Hay una generosidad especial en esa clase de honestidad. Nos recuerda que no tenemos que estar permanentemente preparados para demostrar que merecemos nuestro lugar en el mundo.

Quizá por eso ser uno mismo también sea una forma de responsabilidad. Porque cuando dejamos de vivir pendientes de la aprobación, empezamos a relacionarnos desde un lugar menos ansioso. Ya no necesitamos que cada conversación confirme nuestro valor, ni que cada gesto de los demás nos diga que estamos haciendo las cosas bien. Podemos escuchar sin preparar una respuesta brillante, querer sin convertir el cariño en una deuda y ayudar sin esperar que nuestra ayuda nos convierta en imprescindibles.

Y aquí aparece una pregunta que me parece mucho más útil que cualquier consejo sobre cómo ser auténticos: ¿qué queda de nosotros cuando no estamos intentando causar una impresión? No cuando nadie nos mira, porque incluso eso puede convertirse en otro personaje, sino cuando dejamos de sentir que tenemos que demostrar algo. Tal vez ahí encontremos una manera más limpia de estar con los demás. No porque tengamos todas las respuestas, sino porque ya no necesitamos fingir que las tenemos.

Ayudar, quizás no sea siempre iluminar el camino de alguien. A veces es caminar a su lado sin apagar nuestra propia luz. Y eso, aunque parezca menos espectacular, puede ser una de las formas más honestas de generosidad.

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Hoy, como era de esperar, toca hablar de los Emmy. Pero no exactamente de los Emmy. Toca hablar de ese territorio paralelo que se instala delante de cualquier gran ceremonia y que, durante unas horas, consigue que la televisión deje de ser únicamente televisión para convertirse en escaparate, laboratorio, archivo y, por qué no decirlo, campo de batalla. Porque mientras dentro del Peacock Theater de Los Ángeles se premiaba lo mejor de la pequeña pantalla, fuera se disputaba otra competición bastante menos oficial: quién tenía algo que decir con la ropa. Y este año la respuesta ha sido interesante. No necesariamente porque todos hayan acertado, sino porque la alfombra de 2026 parece confirmar algo que la moda llevaba tiempo anunciando: hemos vuelto a querer vestirnos con intención.

La primera lectura es casi contradictoria. Por un lado, continúa el espectáculo: cristales, lentejuelas, volúmenes, transparencias y vestidos capaces de sobrevivir a cualquier zoom de Instagram. Por otro, aparece una contención inesperada. Negro, blanco, marfil, lavanda, verde menta, azul profundo. Siluetas conocidas, referencias reconocibles, una elegancia que no necesita explicar constantemente que está intentando ser elegante. Es como si Hollywood hubiera decidido que el exceso sigue teniendo permiso para entrar, pero ahora debe presentar credenciales.

Zendaya, naturalmente, entendió el encargo. Su vestido Prada, diseñado a medida y cubierto de cristales y perlas, llevaba escote profundo y una cola casi operística. Law Roach volvió a hacer lo que mejor sabe hacer: convertir una aparición pública en un acontecimiento de moda. Pero lo verdaderamente interesante no era solamente el brillo. Era la construcción de una imagen. Zendaya no parecía simplemente una actriz vestida de Prada; parecía una mujer interpretando deliberadamente el papel de estrella de Hollywood. Y esa diferencia importa.

Selena Gomez tomó otro camino y, paradójicamente, llegó al mismo destino. Su Louis Vuitton dorado parecía construido para dialogar con el propio Emmy: una columna de metal y luz que convertía a la actriz en una especie de estatuilla viviente. Pero había un detalle mucho más sofisticado escondido detrás del impacto inicial. Sus joyas de Tiffany & Co. incluían el Sixteen Stone de Jean Schlumberger, una pieza asociada históricamente a Carolyn Bessette-Kennedy y que conecta directamente con la conversación estética que ha generado Love Story. Es decir, el look funcionaba incluso antes de conocer la referencia, pero mejoraba cuando se conocía. Eso es styling.

Y precisamente ahí aparece una de las grandes tendencias de la noche: la moda que recompensa mirar dos veces. Sarah Pidgeon llevó un delicado Chanel lila con detalles de perlas que evocaba el minimalismo de los noventa y, especialmente, el imaginario de Carolyn Bessette-Kennedy. Elle Fanning hizo algo parecido desde la sencillez con un Ralph Lauren verde menta. Carey Mulligan apareció en The Row, demostrando que un vestido puede tener presencia sin necesidad de competir con las cámaras. Michelle Pfeiffer, de Saint Laurent, recordó que el negro sigue siendo una de las herramientas más poderosas cuando quien lo lleva entiende perfectamente sus proporciones.

La nostalgia, por tanto, no parece desaparecer. Solo cambia de forma. Hay una recuperación evidente de códigos noventeros, pero también de siluetas de los años veinte, del glamour de Hollywood y de piezas de archivo. La moda no está copiando el pasado tanto como está utilizándolo como biblioteca. Y eso resulta mucho más interesante. La diferencia entre nostalgia y referencia está precisamente ahí: una mira hacia atrás porque no sabe qué hacer hacia delante; la otra mira hacia atrás para construir algo nuevo.

Ayo Edebiri fue probablemente una de las mejores demostraciones de que el maximalismo también puede tener inteligencia. Su Chanel jugó con dos colores, volúmenes y enormes lazos, creando un vestido prácticamente reversible en términos visuales: delante una lectura y detrás otra completamente distinta. Danielle Goldberg completó la propuesta con joyería de Mikimoto. Aquí no había voluntad de parecer discreta. Había voluntad de jugar. Y jugar, cuando existe una dirección estética detrás, también es una forma de sofisticación.

Y luego está Meg Stalter, que decidió convertirse literalmente en un Emmy. Dorado, alas, pintura corporal, esfera y todo lo necesario para parecer la estatuilla que esperaba ganar. Podríamos considerarlo una extravagancia innecesaria. Yo prefiero leerlo como una de las pocas ocasiones en las que alguien comprendió que una alfombra roja también puede permitirse humor. La moda no tiene por qué ser solemne para ser inteligente. Stalter entendió el espectáculo y decidió formar parte de él.

En el terreno masculino, Colman Domingo volvió a demostrar por qué se ha convertido en una referencia. Su Valentino, con chaqueta de inspiración bata y pantalón acampanado, no buscaba competir con la fantasía femenina, sino recordarnos que la sastrería masculina puede tener teatralidad sin perder autoridad. A su lado, nombres como Riz Ahmed, vestido de Loewe, y Alan Cumming, con un esmoquin bordado en blanco y negro, reforzaron una idea que ya no debería sorprendernos: el hombre de alfombra roja ha dejado definitivamente de necesitar permiso para experimentar.

Y esto último quizá sea lo más relevante de toda la noche. La moda masculina empieza a entender que el traje no tiene que desaparecer para evolucionar. Puede conservar la estructura y cambiar la actitud. Puede incorporar joyas, volumen, pantalones más amplios, broches, texturas o una chaqueta inesperada. Domingo lleva tiempo trabajando precisamente sobre esa frontera entre sastrería, espectáculo y personalidad, acompañado por Wayman y Micah.

Lo mismo ocurre con las mujeres. No parece existir una única tendencia ganadora. Y eso, sinceramente, es una buena noticia. El dorado de Selena, el cristal de Zendaya, el minimalismo de Pidgeon, la teatralidad de Edebiri, el negro de Pfeiffer, el romanticismo de Florence Pugh, los tonos pastel y las siluetas inspiradas en otras décadas conviven sin necesidad de declararse enemigos.

Quizá la verdadera tendencia que dejan estos Emmy no sea un color, una silueta o un diseñador. Es otra cosa: la intención. Después de años en los que muchas alfombras rojas parecían diseñadas para producir únicamente una fotografía viral, esta empieza a recuperar algo más difícil de conseguir: una identidad. Un vestido puede ser espectacular, pero si no comunica nada, se agota en el primer scroll. En cambio, cuando existe una referencia, una proporción, una historia, una decisión o incluso una provocación detrás, la imagen permanece.

Y esa es la parte que más me interesa. La moda nunca ha sido solamente ponerse algo bonito. Tampoco debería convertirse en un examen de conocimiento ni en una competición de marcas. Es interpretación, contexto y deseo. Exactamente como ocurre con una buena columna, una buena película o una buena casa: puede llamar la atención, pero necesita tener algo detrás.

Los Emmy 2026 no han inventado nada. Han hecho algo mejor: han demostrado que todas esas conversaciones que llevamos meses teniendo sobre nostalgia, archivo, sastrería, maximalismo, feminidad, masculinidad y lujo siguen vivas. Solo necesitaban una alfombra suficientemente grande para aparecer todas a la vez.

Y entre tanto cristal, tanta lentejuela y tanta fotografía perfecta, quizá ese sea el verdadero lujo de la noche: que todavía haya personas capaces de conseguir que queramos mirar una segunda vez.

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Durante años, muchas decisiones urbanas fueron tomadas como si la ciudad permanecería igual. Se autorizaron accesos, salidas comerciales, giros, cruces, estacionamientos, edificaciones y cambios de uso sin medir lo que ocurriría cuando aumentaran la población, el parque vehicular y la intensidad de las actividades económicas.

Algunas de esas decisiones no provocaron consecuencias inmediatas. Una entrada mal ubicada podía funcionar cuando circulaban pocos vehículos. Una plaza con estacionamientos insuficientes parecía manejable mientras el sector tenía baja densidad. Un colegio, una clínica o un supermercado podían operar sin mayores contratiempos porque la calle todavía soportaba su movimiento.

Diez o quince años después, la realidad es completamente distinta. Aquello que parecía un detalle aislado hoy puede ser el punto donde comienza un congestionamiento diario. La salida de una plaza bloquea una intersección; el acceso a una torre interrumpe el flujo; un comercio ocupa la acera porque nunca se previó espacio para carga y descarga; una actividad aprobada como pequeña creció hasta desbordar la capacidad de su entorno.

Estos problemas no surgieron espontáneamente. Muchos tienen detrás un permiso municipal, una inspección insuficiente, una excepción concedida o una falta de planificación. Por eso, la responsabilidad de los ayuntamientos no puede limitarse a evitar nuevos errores. También deben revisar las distorsiones existentes y comenzar a ordenar aquello que, aun habiendo sido autorizado, hoy afecta gravemente la movilidad y el espacio público.

Corregir no significa desconocer derechos adquiridos ni actuar de manera arbitraria. Significa evaluar la operación actual de cada punto crítico y establecer medidas razonables de mitigación. Hay accesos que pueden reorganizarse, horarios de carga que deben regularse, giros que necesitan prohibirse, estacionamientos que deben recuperarse y actividades cuyo funcionamiento tiene que adecuarse a la capacidad real de la vía.

Para hacerlo se necesita un inventario municipal de distorsiones urbanas. Cada ayuntamiento debería identificar las intersecciones conflictivas, los accesos comerciales que generan filas, las construcciones que invaden visuales de seguridad, los centros que producen estacionamiento irregular y los puntos donde decisiones antiguas afectan la circulación actual.

Ese levantamiento debe apoyarse en observación, datos y consulta con quienes viven diariamente el problema. Los agentes de tránsito conocen dónde se repite el caos. Los residentes saben a qué horas una calle deja de funcionar. Los comerciantes conocen las dificultades de abastecimiento. Esa información debe convertirse en decisiones municipales concretas, con plazos, responsables y seguimiento.

La planificación no puede servir únicamente para diseñar el futuro. También debe ayudarnos a corregir el pasado.

Es fácil atribuir toda la crisis vial a la cantidad de vehículos o al comportamiento de los conductores. Esa explicación resulta incompleta. La ciudad también se congestiona por la acumulación de decisiones públicas que nunca fueron revisadas. Cuando una distorsión permanece durante años, termina siendo asumida como normal, aunque diariamente reste seguridad, tiempo y calidad de vida.

Los ayuntamientos tienen la oportunidad de iniciar una corrección gradual, técnica y transparente. No todo podrá resolverse de inmediato, pero sí puede establecerse un orden de prioridades y comenzar por los puntos de mayor impacto.

Dejar intactos esos puntos críticos equivale a permitir que una decisión antigua continúe multiplicando sus efectos negativos sobre toda la ciudad con cada día.

Gobernar una ciudad también es reconocer cuándo una decisión dejó de funcionar. Los permisos explican cómo llegamos hasta aquí; la planificación y la autoridad municipal deben definir cómo comenzamos a salir.

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Hay historias que parecen escritas para una película, pero ocurren a plena luz del día, en nuestras calles y frente a nuestros ojos. Historias que nos hacen preguntarnos en qué momento dejamos de distinguir entre el derecho a reclamar, la obligación de responder por nuestros actos y la peligrosa decisión de convertir un conflicto cotidiano en una tragedia.

El caso ocurrido en Santo Domingo Este, que terminó con la muerte de Joel Ferreras Amador, de 34 años, después de recibir un disparo durante un incidente en el que estuvo involucrado un cabo de la Policía Nacional, merece ser esclarecido hasta sus últimas consecuencias.

El agente fue remitido al Ministerio Público y, según informaciones publicadas, posteriormente se le impusieron tres meses de prisión preventiva. Pero más allá de las versiones que deberán ser comprobadas por la investigación y los tribunales, hay algo que como sociedad no podemos pasar por alto; una discusión en la calle no debería terminar con una vida perdida.

Según familiares de Joel, él intentó que se atendiera la situación luego de que una mujer fuera atropellada. La familia afirma que el joven recibió el disparo cuando acudió a un cuartel móvil. 

La versión preliminar de la Policía, sin embargo, señala que varias personas en motocicletas persiguieron al agente y que algunas habrían intentado despojarlo de su arma. Precisamente porque existen versiones diferentes, corresponde esperar una investigación seria, objetiva y transparente.

Y hay otra conversación que también debemos tener: no todos los motoristas son iguales, -y lo digo conconvencimiento de causa-.  En nuestras calles hay miles de hombres y mujeres que utilizan una motocicleta para trabajar, llevar alimentos, transportar pasajeros, estudiar o simplemente movilizarse. Hay padres y madres de familia que salen cada mañana a buscar el sustento de sus hogares. No podemos convertirlos a todos en responsables de las conductas irresponsables de algunos, como es el caso de este cabo de la polícía que presuntamente cruzó un semáforo en rojo, atropellando a una señora que aún no se recupera totalmente de la situación. 

Estoy tan convencida de lo que digo que hoy mientras transitaba por la avenida John F. Kennedy, vi a un motorista obligar a un chofer de auto privado a orillarse para que dejara pasar una ambulancia. 

Sin embargo, quien conduce una motocicleta tiene la responsabilidad de respetar las señales de tránsito y la vida de los demás, cosa que pocos hacen. 

Quien porta un arma y representa al Estado tiene una responsabilidad todavía mayor, que es actuar dentro de la ley y bajo los protocolos establecidos. Porque cuando la violencia sustituye al diálogo, perdemos todos.

Joel deja una familia y un niño de seis años, según sus familiares. Aristomeli Jiménez, la mujer involucrada en el accidente inicial, también quedó con lesiones y continúa recuperándose.

Dos vidas afectadas por un episodio que comenzó en una calle. Eso es lo verdaderamente distópico; que un incidente de tránsito pueda terminar convertido en una tragedia humana.

Necesitamos menos confrontación y más responsabilidad. Menos violencia y más respeto. Y, sobre todo, instituciones capaces de investigar los hechos con rigor para que la verdad no dependa de quién grite más fuerte.

Porque en una sociedad de derecho, la justicia no puede ser una reacción; tiene que ser el camino.

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NUEVA YORK — La comunidad periodística, la clase locutoril y los hacedores de televisión de la diáspora se unieron este miércoles en un conmovedor abrazo de despedida. En la emblemática Plaza Las Américas del Alto Manhattan, colegas, amigos y familiares rindieron un tributo póstumo a Francis Méndez, uno de los exponentes más ilustres del arte del buen decir y pilar fundamental de la comunicación dominicana en el exterior.

La convocatoria estuvo liderada y organizada por Raymond Abad, Roberto Gerónimo, Adalberto Domínguez, directivos y expresidentes de la Asociación de Cronistas de Arte (Acroarte), filial Nueva York, institución de la que Méndez fue un miembro destacado y activo promotor. A esta iniciativa se sumó la gerencia del espacio televisivo Opción New York, transmitido a través de Súper Canal Caribe, casa televisiva donde el comunicador dejó su impronta profesional durante sus últimos años de labor ininterrumpida.

Francis Méndez partió a destiempo el pasado martes 8 de septiembre, tras enfrentar con valentía y dignidad una tenaz batalla contra el cáncer. Su fallecimiento ha dejado un vacío profundo en el corazón de la industria de la comunicación.

Méndez alcanzó gran estelaridad en el mundo de las ondas hertzianas y la televisión tanto en su natal República Dominicana como en los Estados Unidos, convirtiéndose en un referente ético y profesional para las nuevas generaciones. Compromiso gremial: Como miembro respetado de Acroarte, su voz y su criterio aportaron de manera significativa al fortalecimiento de la crónica de arte, defendiendo siempre la excelencia y la profesionalización del sector.


Su paso por programas estelares consolidó su figura como un comunicador versátil, culto y profundamente conectado con las necesidades e inquietudes de su comunidad.
Durante el acto de este miércoles, cronistas de arte, locutores de dilatada trayectoria, productores radiales y creadores de contenido digital se dieron cita para evocar las virtudes humanas y profesionales de Méndez. Entre anécdotas, reflexiones y muestras de profundo dolor, los asistentes destacaron su proverbial elegancia ante los micrófonos, su compañerismo inquebrantable y su amor entrañable por la cultura dominicana.

Con este tributo, según palabras de Raymond Abad, presidente de la filial, Nueva York despide a un hacedor de sueños y un defensor incansable de la buena comunicación, cuyo eco resonará por siempre en la memoria colectiva de quienes tuvieron el privilegio de escuchar su inconfundible voz.

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