Hay personas que envejecen. Y hay personas como Cher, que simplemente evolucionan hasta convertirse en símbolo. No importa la década, la tendencia o el algoritmo: Cher sigue ahí, desafiante, intacta, irónica y luminosa. A sus 80 años, no solo es una leyenda de la música, el cine y la cultura pop; también es una mujer que ha construido, frase tras frase, una filosofía de vida inesperadamente poderosa.

Porque detrás de los brillos, las pelucas, los escenarios y los titulares, Cher ha dicho algunas de las verdades más honestas sobre el amor, la independencia, el miedo, el ego y la libertad personal. Y quizás por eso sigue conectando con generaciones tan distintas: porque habla como alguien que ha sobrevivido a sí misma muchas veces.

En un mundo obsesionado con aparentar perfección, Cher siempre eligió la autenticidad. Tal vez ahí esté el secreto de su permanencia.

«Hasta que estés listo para parecer un tonto, nunca tendrás posibilidad de ser grande».

Vivimos aterrados por el ridículo. Nos paraliza equivocarnos, intentarlo demasiado tarde, empezar de nuevo o ser juzgados. Cher, en cambio, convirtió lo extravagante en identidad y lo exagerado en arte. Nunca pidió permiso para ocupar espacio.

La frase parece simple, pero encierra una verdad brutal: muchas veces el miedo a hacer el ridículo es lo que nos mantiene viviendo vidas pequeñas.

Hay algo profundamente liberador en aceptar que no siempre luciremos perfectos. Que habrá errores. Que algunas decisiones no tendrán aplausos inmediatos. Pero también que la grandeza rara vez nace desde la comodidad.

Cher entendió antes que muchos que ser distinto no es un defecto: es una ventaja.

«Las mujeres deben aprovechar su poder. Es absolutamente cierto: el poder no se da, se toma».

Mucho antes de que el empoderamiento femenino se convirtiera en slogan de campaña o caption de Instagram, Cher ya hablaba de independencia emocional y económica con una crudeza poco común.

La artista nunca escondió que admiraba el éxito, el dinero y la autonomía. Y hacía énfasis en algo importante: depender menos no significa amar menos.

Durante años, a las mujeres se les enseñó a esperar validación. A ser escogidas. A pedir espacio con delicadeza. Cher rompió esa narrativa con una frase que todavía incomoda porque sigue siendo cierta: nadie entrega poder voluntariamente. Hay que construirlo. Defenderlo. Habitarlo sin culpa.

Y eso no aplica solo al género. También a la vida diaria. A dejar de esperar aprobación para comenzar proyectos, tomar decisiones o cambiar de rumbo.

«Los hombres son un lujo, no una necesidad».

Posiblemente una de las frases más famosas de Cher. Y también una de las más malinterpretadas.

No hablaba del amor como algo innecesario. Hablaba de la diferencia entre compañía y dependencia. De entender que una pareja debe sumar a tu vida, no convertirse en el centro absoluto de tu existencia.

En tiempos donde todavía muchas personas miden su valor según quién las ama o quién se queda, la reflexión sigue siendo vigente. El amor sano no debería sentirse como supervivencia.

Cher nunca vendió la fantasía de la mujer incompleta buscando ser salvada. Más bien defendía la idea de construir una vida propia tan sólida que cualquier vínculo llegara desde el deseo y no desde el vacío.

Y quizá esa sea una de las conversaciones más urgentes de esta generación.

«Si realmente va a funcionar, funcionará».

Hay una serenidad extraña en esa frase. Una calma que solo adquieren quienes ya dejaron de perseguir obsesivamente todo lo que se escapa.

Vivimos agotados intentando controlar resultados: relaciones, trabajos, amistades, oportunidades. Queremos garantías para todo. Pero Cher parece recordarnos algo esencial: lo auténtico no necesita persecución eterna.

Claro que las cosas requieren esfuerzo. Pero también existe una diferencia entre cuidar algo y forzarlo hasta rompernos. No todo lo que se pierde debía quedarse. Y no todo lo que tarda significa fracaso.

A veces madurar consiste precisamente en dejar de insistir donde ya no hay reciprocidad.

«El dinero hace que las cosas sean más fáciles, pero no hace que sean mejores».

La frase puede sonar frívola a primera vista, pero tiene más profundidad de la que parece. Cher no romantiza la precariedad ni demoniza el éxito; simplemente desmonta la fantasía de que alcanzar ciertas metas automáticamente resuelve el vacío interno.

Hay personas que pasan toda la vida persiguiendo estabilidad económica pensando que ahí encontrarán la paz definitiva. Y aunque el dinero puede ofrecer tranquilidad, comodidad y oportunidades, no sustituye identidad, propósito ni afecto. Quizás por eso tantas celebridades aparentemente «exitosas» siguen sintiéndose perdidas.

Cher siempre entendió el glamour como estética, no como salvación. Y esa diferencia importa.

Cher nunca suavizó su personalidad para resultar más cómoda. Opinó, incomodó, exageró, cambió, se reinventó y sobrevivió a décadas enteras donde muchos esperaban verla desaparecer. La enseñanza aquí no es volverse arrogante. Es entender que la autenticidad inevitablemente genera rechazo en algunos lugares.

Quizás el verdadero legado de Cher no está solamente en sus canciones, sus premios o su influencia estética. Está en haber construido una vida desde la autenticidad radical. En demostrar que reinventarse no tiene fecha límite. Que la edad no cancela la irreverencia. Que el amor propio no siempre luce delicado: a veces luce desafiante, ruidoso y lleno de lentejuelas.

Cher no se convirtió en ícono por intentar encajar. Se convirtió en ícono porque entendió algo que muchos tardan décadas en descubrir: la libertad personal siempre será más elegante que la aprobación ajena.

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En ocasión de la celebración del Día de las Madres que se aproxima, el reconocido cantautor dominicano Charlie Mosquea ha conmovido a su público con el lanzamiento de su más reciente sencillo titulado «Madre 24/7», una pieza cargada de profunda emotividad, nostalgia y agradecimiento eterno al ser más sublime de la creación.

El tema, de la autoría del propio Mosquea, nace de una de las vivencias más dolorosas y transformadoras en la vida del artista: la pérdida de su progenitora en un momento de crisis global.

«Es una canción que yo escribí para la pandemia, en la época en que no se podía viajar y mi madre murió. Dolorosamente escribí esa canción y la grabé. Es una producción muy emotiva», comentó el cantante en una nota enviada a La Crónica. 

Para vestir musicalmente esta sentida lírica, Charlie Mosquea confió en el talento del destacado músico santiaguero radicado en los Estados Unidos, Óscar Almonte, quien tuvo a su cargo los arreglos musicales de la pieza.

La producción y grabación del sencillo se llevaron a cabo íntegramente en la ciudad de Nueva York, logrando un sonido de altísima calidad que equilibra la solemnidad del mensaje con la riqueza melódica que caracteriza los proyectos del cantautor.

«Madre 24/7» ya se encuentra disponible en todas las principales plataformas digitales de música por streaming y ha comenzado a sonar con fuerza en las estaciones de radio nacionales e internacionales, perfilándose como el himno idóneo para honrar a las madres no solo en su día, sino de manera permanente, tal como lo indica su título.

El público y los amantes de las buenas composiciones ya pueden disfrutar de este estreno que promete tocar las fibras más sensibles de quienes han tenido la dicha de una madre o guardan su recuerdo en el alma.

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El artista dominicano Pakolé estrenó su más reciente sencillo, “Voy a morir amándote”, una salsa romántica cargada de intensidad, pasión y una profunda historia de amor. La canción, disponible en todas las plataformas digitales desde el pasado 4 de marzo, representa una nueva etapa en la carrera del artista y un firme aporte a la salsa dominicana e internacional.

“Voy a morir amándote” es una composición original de Pakolé escrita hace más de 15 años. En sus inicios, el tema fue concebido como un merengue con la intención de ser interpretado por el reconocido artista Eddy Herrera; sin embargo, nunca llegó a ser presentado. Fue en noviembre del pasado año, revisando antiguos apuntes, cuando el cantante redescubrió esta pieza, reconectando con su esencia y potencial artístico.

A partir de ese momento, la canción experimentó una transformación creativa: se modificaron su melodía y patrones rítmicos, llevándola del merengue a una salsa romántica que hoy destaca por su riqueza musical y emocional. Los arreglos estuvieron a cargo de Isaías Lecler, Julio Reyes y el propio Pakolé, logrando un sonido fresco, elegante y fiel al género.

La producción de “Voy a morir amándote” es el resultado de una colaboración internacional. La mayor parte de la grabación se realizó en Colombia, mientras que el bajo y el trombón se trabajaron en República Dominicana. La mezcla final fue realizada en México por un destacado productor, consolidando un proyecto que integra talento y experiencia de distintos países.

Pakolé destaca el nivel del equipo de músicos involucrados en la producción, describiéndolos como maestros en sus respectivos instrumentos y experimentados en el género de la salsa. “Vale la pena resaltar el profesionalismo y la calidad humana de cada uno de los que aportaron a este proyecto”, expresó el artista.

El sencillo ha tenido una notable acogida en la radio, recibiendo el respaldo de programadores y locutores, hecho que el intérprete agradece profundamente. “Gracias a Dios por la oportunidad y a todos los que han apoyado este tema desde el primer momento”, afirmó.

Con esta canción Pakolé reafirma su compromiso de aportar calidad y autenticidad a la salsa, con la firme intención de dejar una huella significativa en el género. “Mi objetivo es que esta música trascienda en el tiempo, que conecte con las emociones de la gente y que las futuras generaciones la reconozcan como un referente”, concluyó.

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La cantautora dominico-española Neni Pion presenta “Mi piel”, el primer sencillo de su próximo álbum, un proyecto que explora la relación entre el cuerpo, la memoria y la forma en que las emociones permanecen.

Su propuesta se sitúa dentro de una tradición más que en una tendencia. En sus canciones conviven la palabra directa del trovador y la intensidad del bolero caribeño, llevadas a un lenguaje actual donde la interpretación se acerca y se vuelve esencial.

“Mi piel” marca el inicio de esta nueva etapa. La canción parte de una experiencia más que de una idea: una forma de entender la música desde el cuerpo, donde lo que se vive deja rastro incluso cuando no se nombra.

En esta nueva etapa, tanto el sencillo como el álbum apuestan por un concepto sonoro íntimo y esencial, construido desde lo acústico, con una presencia marcada de ukeleles y voces.

El sencillo fue producido por Gabriel “Gabs” Lantigua, co-producido por Peter Nova, y mezclado y masterizado en Dommy Atmos. Estará disponible a partir del 1 de mayo en todas las plataformas digitales.

El próximo álbum desarrollará esta línea de forma más amplia, abordando la memoria emocional, el vínculo con la propia historia y la manera en que lo íntimo se convierte en lenguaje compartido.

Con este lanzamiento, Neni Pion se presenta en Colombia con una propuesta que conecta con la tradición de la canción de autor desde un lugar propio: cercano, directo y sin artificios.

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El artista urbano Mark B continúa diversificando su propuesta musical con el lanzamiento de su sencillo titulado Imagina, una bachata que fusiona lo romántico con un concepto urbano y un sonido de corte internacional.

El tema cuenta con la producción de Abelito en la guitarra, aportando una esencia auténtica al género, mientras que las letras estuvieron a cargo de Dímelo Cupido, logrando una narrativa emocional que conecta con el público desde la primera escucha.

Imagina representa una nueva etapa en la carrera de Mark B, quien apuesta firmemente a la calidad musical y a la internacionalización de su propuesta artística. Esta visión ya comienza a rendir frutos, pues el sencillo ha sido recibido con gran aceptación en el mercado europeo, consolidando su alcance más allá del público latino.

En los últimos años, Mark B ha mantenido una presencia constante en la escena urbana, destacándose por su versatilidad y por encadenar lanzamientos que conectan con diferentes audiencias, respaldados por una sólida base de seguidores en plataformas digitales, donde acumula una comunidad de gran alcance. 

Su capacidad de reinventarse y explorar nuevos sonidos lo ha posicionado como uno de los exponentes dominicanos con mayor proyección, manteniendo una agenda activa y una evolución artística alineada con las tendencias globales.

Con este lanzamiento, Mark B reafirma su compromiso de seguir elevando la música dominicana en escenarios internacionales, apostando a propuestas frescas sin perder su esencia urbana.

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El cantautor dominicano Enrique Féliz estrenó el pasado 24 de abril su más reciente propuesta musical, Fuego, un sencillo acompañado de videoclip que rescata los ritmos tradicionales de la mangulina y que estará disponible en todas las plataformas digitales y en YouTube.

Con este lanzamiento, Féliz fortalece su apuesta por la música autóctona dominicana, reafirmando un compromiso sostenido a lo largo de su carrera artística. Desde sus inicios, el intérprete ha trabajado en la promoción de la identidad cultural nacional, integrando estos elementos incluso en sus producciones de corte religioso y en proyectos desarrollados de manera independiente durante las últimas décadas.

Fuego surge como una declaración de principios. Según el artista, la canción busca convertirse en una chispa que despierte en las nuevas generaciones una renovada pasión por las raíces dominicanas. Al mismo tiempo, el tema pretende captar la atención de audiencias internacionales, invitándolas a descubrir y valorar la riqueza del patrimonio cultural del país.

La composición y producción del sencillo están a cargo del propio Enrique Féliz, mientras que los arreglos musicales fueron realizados por Dichens Salcedo, logrando una fusión que respeta la esencia tradicional sin renunciar a una sonoridad contemporánea.

El videoclip fue filmado en una locación de Sainaguá, en San Cristóbal, República Dominicana, bajo la dirección de Rdgzproductions, aportando una estética visual que complementa la energía y el mensaje de la canción.

La distribución internacional del proyecto está a cargo de Mayimba Music, garantizando su alcance en los principales mercados digitales. Con Fuego, Enrique Féliz no solo presenta un nuevo sencillo, sino que reafirma su visión artística: mantener viva la esencia de la música dominicana y proyectarla al mundo con calidad y autenticidad.

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Luego del impacto de su primer EP, Donaty-ty x 3, que acumuló millones de reproducciones y una excelente recepción del público, Donaty regresa con una nueva propuesta musical: su segundo EP titulado No es dembow.

Disponible en todas las plataformas digitales, este proyecto marca una nueva etapa en la carrera del artista, apostando por sonidos frescos, versatilidad y una identidad musical que rompe esquemas dentro de la escena urbana. El EP incluye tres temas —Fenómeno, Roto y Rika— que exploran diferentes emociones, estilos y colores musicales.

Cada canción aporta una vibra particular: Fenómeno transmite fuerza y seguridad; Roto conecta desde un lado más sentimental e intenso; mientras que Rika llega con un ritmo pegajoso, ideal para conquistar playlists y redes sociales.

Con No es dembow, Donaty demuestra que su propuesta va mucho más allá de un solo género, experimentando con nuevas fusiones y consolidando su crecimiento artístico tras el éxito de su primera producción.

Además de su evolución musical, Donaty atraviesa una etapa de transformación personal, reflejada en una notable mejora física gracias a un mayor enfoque en su salud, disciplina y claridad mental, elementos que hoy potencian su creatividad y visión artística.

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La noche en el café teatro Juan Lockward del Teatro Nacional comenzó con una confesión cantada. No fue un saludo protocolar ni una entrada medida para el lucimiento. Fue, más bien, una evocación íntima que parecía surgir de un rincón remoto de la memoria: «En un rincón de mi país está mi pueblo…». La voz de Charlie Mosquea no buscaba impresionar, buscaba recordar. Y en ese gesto, casi involuntario, estaba ya contenida la clave de todo lo que vendría después.

La tertulia «Crónicas Musicales», organizada por el periodista Máximo Jiménez y respaldada por la Sociedad General de Autores, Compositores y Editores Dominicanos de Música (SGACEDOM), se ha ido consolidando como uno de los pocos espacios donde la música dominicana se piensa a sí misma sin prisa. Allí, entre colegas, anécdotas y canciones, el compositor se convirtió en narrador de su propia historia. Y en el caso de Mosquea, esa historia no se cuenta en línea recta, sino en espirales: vuelve siempre al origen, al pueblo, a la precariedad y a la intuición como motores de una obra que, sin proponérselo, terminó formando parte del cancionero popular dominicano.

«Me siento como un artista…», dijo con ironía apenas tomó asiento, arrancando las primeras risas de la noche. Pero enseguida corrigió el tono: «No es lo mismo estar frente a colegas… frente a gente que sabe». Había en su voz una mezcla de respeto y nerviosismo, aunque pronto quedaría claro que Mosquea domina el escenario no desde la impostación, sino desde la cercanía. Su discurso no es lineal ni académico; es torrencial, lleno de desvíos, de historias que se abren dentro de otras historias.

Y en esa forma de contar —que a ratos parece improvisada, pero que en realidad obedece a una lógica emocional muy precisa— fue desplegando su trayectoria.

Nacido en una familia donde la palabra ya tenía peso, un abuelo decimero que conquistó a su abuela a golpe de versos, Mosquea reconoce en ese origen una primera marca. «Yo vengo de una familia de artistas… aunque no lo sepan», dijo, antes de relatar, entre carcajadas, cómo la poesía acompañó incluso la intimidad de sus abuelos. La anécdota, hilarante, funcionó también como declaración de principios: la música, en su caso, no es un oficio aprendido en academia, sino una herencia emocional.

Su llegada a la capital, desde Sabana de la Mar, tiene algo de relato iniciático. Un joven sin obra publicada, sin experiencia, pero con una intuición feroz, comienza a aparecer en los periódicos por razones que ni él mismo termina de comprender. «Yo no tenía nada de qué hablar», admite. Sin embargo, esos primeros textos lo conectan con figuras clave que lo conducirían, casi por azar, hasta uno de los momentos fundacionales de su carrera: el encuentro con la cantante Olga Lara.

Ese episodio, contado con una mezcla de asombro y gratitud, marca un punto de inflexión. Mosquea no tenía la canción adecuada para una artista que en ese momento dominaba la escena. Pero en una noche de urgencia —y de insomnio— nació Cualquiera se engaña, grabado por Olga Lara. «Cuando logras el primer verso y es bueno, ya la canción se fue», explicó. La frase, sencilla, encierra una de sus ideas más recurrentes: la creación no es un proceso completamente racional; hay en ella una chispa que no se puede forzar.

El éxito de esa canción no solo lo posicionó como compositor, sino que lo insertó en una industria donde el talento debía convivir con el azar, las decisiones empresariales y, muchas veces, la frustración. Mosquea no evade ese lado menos romántico de la música. Al contrario, lo expone con una franqueza poco habitual.

«Yo soy un cantante que tuvo mejor suerte como compositor», confesó en uno de los momentos más reveladores de la noche. Y no lo dijo con amargura, sino con una lucidez que desarma cualquier narrativa de éxito convencional.

Su carrera como intérprete, marcada por oportunidades truncas, un resfriado que lo dejó fuera de un festival, discos engavetados durante años, contrasta con su consolidación como autor. Mientras sus álbumes dormían en oficinas de disqueras, sus canciones encontraban vida en voces ajenas.

Ahí aparece otro de los grandes ejes de su relato: la suerte. Mosquea no cree en ella como un fenómeno mágico, sino como una combinación de talento, contexto y oportunidad. «A la suerte hay que ayudarla», dijo. Pero también reconoce que hay factores que escapan al control del artista. Discos que no salen, proyectos que se diluyen, carreras que se desinflan. Sin embargo, lejos de victimizarse, Mosquea convierte esas experiencias en materia narrativa. Cada frustración se transforma en anécdota; cada tropiezo, en aprendizaje.

Uno de los momentos más potentes de la noche llegó cuando habló de Pueblo mío, canción que abrió la velada y que, según él mismo, nació en un parque de Miches. La historia es simple: un joven músico tentado a embarcarse en una aventura incierta, un impulso contenido, y la necesidad de escribir. De ese instante surgió una pieza que, con los años, se convirtió en un himno para quienes han tenido que emigrar.

«Es un himno para los exiliados voluntarios», dijo. Y no exagera. En esa canción se condensa una experiencia colectiva que trasciende lo personal. Esa capacidad de convertir lo cotidiano en universal atraviesa buena parte de su obra. Lo mismo ocurre con Déjate querer, nacida de una conversación casi casual con una mujer que, según él, «no se dejaba querer». La canción, más allá de su tono ligero, revela otra faceta de Mosquea: su habilidad para observar y traducir comportamientos humanos en melodías memorables.

Pero si algo define su discurso es la insistencia en el origen de las canciones. Ninguna surge de la nada. Todas tienen una historia, un contexto, un rostro. Incluso aquellas que fueron escritas por encargo —como la dedicada a la hija de un empresario cubano— terminan adquiriendo una dimensión emocional inesperada.

«Somos como sastres que le cogemos la medida a la gente», explicó sobre el oficio de componer. La metáfora no es gratuita. En su visión, el compositor no crea en abstracto, crea para alguien, desde alguien, con una historia específica en mente.

La tertulia avanzaba entre risas, aplausos y canciones fragmentadas, pero también dejaba entrever una reflexión más amplia sobre la música dominicana. Mosquea, lejos de adoptar una postura nostálgica o crítica en exceso, apuesta por el reconocimiento del trabajo colectivo.

En ese sentido, valoró el papel de SGACEDOM y de iniciativas como «Crónicas Musicales» en la visibilización de los compositores. Para él, el mayor desafío no es la falta de talento, sino la falta de oportunidades y de estímulos.

«Hay muchachos que lo que necesitan es una motivación», dijo, recordando sus propios inicios. Y en esa frase se condensa una especie de ética: la de devolver, desde la experiencia, lo que alguna vez recibió.

Hacia el final de la noche, cuando el tiempo comenzaba a imponerse, Mosquea regresó a uno de sus temas más celebrados: la bachata popularizada por Alex Bueno. La historia detrás de esa canción, inspirada en un personaje real que escribía cartas de amor en su pueblo, volvió a poner en evidencia su método: observar, escuchar, transformar.

«Todas mis canciones tienen una historia», había dicho al inicio. Y para entonces ya no quedaban dudas. La velada cerró como empezó: con música. Pero ya no era solo un repertorio; era un mapa emocional. Cada canción, cada anécdota, cada desvío narrativo había ido construyendo la imagen de un artista que entiende la creación como un acto profundamente humano.

Charlie Mosquea no intentó, en ningún momento, construir un personaje. No lo necesita. Su fuerza está precisamente en lo contrario: en mostrarse vulnerable, contradictorio, a ratos desordenado, pero siempre auténtico. Al despedirse, entre aplausos y luces que apenas le dejaban ver al público, lanzó una frase que resumía el espíritu de la noche: «Tengo mucho ruido en la cabeza».

Ese ruido —hecho de recuerdos, melodías, historias y afectos— es, en el fondo, la materia prima de su obra. Y también, quizás, la razón por la que sus canciones siguen encontrando eco en generaciones distintas. Porque en un tiempo donde la música suele consumirse con prisa, escuchar a un compositor contar cómo nacen sus canciones es, en sí mismo, un acto de resistencia. Y en esa resistencia, íntima, imperfecta, profundamente humana, Charlie Mosquea sigue escribiendo.

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La tertulia «Crónicas Musicales», iniciativa del periodista y crítico musical Máximo Jiménez, anuncia el lanzamiento de un ambicioso proyecto cultural: la selección de los 100 merengues esenciales de la década de 1980, considerada como la etapa de mayor esplendor del género.

Este ranking, que comenzará a publicarse a partir de este martes 7 de abril, estará compuesto exclusivamente por temas creados por compositores dominicanos, con el objetivo de resaltar la riqueza autoral y musical de una época que definió la identidad sonora del país.

Para la conformación de esta lista, se convocará a una amplia y plural representación de artistas, músicos, cronistas musicales y coleccionistas, procurando que la selección sea inclusiva, equitativa, diversa y representativa de las distintas corrientes, estilos y protagonistas del merengue en los años 80.

Más que una simple enumeración de canciones, esta iniciativa busca generar un espacio de reflexión, debate y análisis, así como fomentar la socialización de una década que dejó una huella imborrable en la cultura popular dominicana.

«Esta selección no pretende ser definitiva, sino abrir la conversación. Queremos que el público recuerde, cuestione, descubra y, sobre todo, se reconecte con una época extraordinaria de nuestra música», expresó Máximo Jiménez.

Una vez completada la lista de los 100 merengues, el semanario La Crónica publicará un compendio especial que reunirá las canciones seleccionadas, constituyendo un valioso documento de consulta y memoria musical.

Con esta propuesta, la tertulia «Crónicas Musicales» reafirma su compromiso con la difusión, valoración y estudio del patrimonio sonoro dominicano, invitando al público a ser parte activa de este recorrido por los años dorados del merengue.

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El reconocido compositor Frantoni Santana será el artista invitado de la próxima edición de la tertulia Crónicas Musicales, un espacio dedicado a resaltar la obra de figuras clave de la música nacional. La actividad se celebrará el lunes 30 de octubre, a las 7:00 de la noche, en el bar Juan Lockward del Teatro Nacional Eduardo Brito, con el auspicio de la Sgacedom.

Santana es considerado uno de los autores más prolíficos de la República Dominicana, con un repertorio amplio y consistente que ha marcado distintas etapas del merengue y la música tropical. Su catálogo incluye éxitos como “Y te vi”, “No te puedo llevar”, “Qué novia” y “Perdiendo el cariño”, popularizados por Koqui Acosta en 1984, así como “Caramba mi compai”, “Mi querer” y “Un hombre bueno”, interpretados por el Grupo Félix en 1985.

A lo largo de su carrera, sus composiciones han sido interpretadas por destacadas figuras de la música. Temas como “Muchachita buena moza” y “Amor mío”, en la voz de Jerry Legrand, o “Muévete, muévete”, grabado por Porfi Jiménez y luego por Koqui Acosta, evidencian su versatilidad creativa. También destacan piezas como “Equivocada estás” y “Rubia de fuego”, llevadas al éxito por Los Hermanos Rosario, y “La taberna” junto a Aníbal Bravo.

Su obra continuó consolidándose a finales de los años 80 y principios de los 90 con colaboraciones emblemáticas. Entre ellas figuran “Bomba”, coautoría con Rento Arias para Los Hermanos Rosario; “13 Años” y “Qué bueno estoy”, popularizadas por Wilfrido Vargas; y “Gotas de pena”, interpretada por Ramón Orlando y posteriormente por Alex Bueno. Asimismo, destacan “Me duele (El Cuerpecito)” y “La coronela”, en la voz de Las Chicas del Can, además de “La faldita” con La Cocoband y “La vieron”, interpretada por Eddy Herrera.

Ideado por el periodista y crítico musical Máximo Jiménez, “Crónicas Musicales” se ha consolidado como un espacio que viene a llenar un vacío en la difusión de la historia musical dominicana. En pocas ediciones, la tertulia ha logrado visibilizar los perfiles y aportes de algunos de los compositores más influyentes del país, ofreciendo al público una mirada íntima y documentada sobre sus trayectorias.

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